寫給博物館、畫廊和藏家們的一封信——藝術圈的「金錢病」

當下藝術市場上這股近乎瘋狂的源頭是對藝術品與日俱增的需求，是資本過剩後，人們追逐高額收益回報後的投資選擇。藝術價格的瘋狂走高不是因為藝術界正在發生的變革，而是因為資本界沒有可投資的項目。

多米尼克·萊維 ，法國DSLCollection聯合創始人Dominique Levy，曾在佳士得拍賣行工作，近10年來與先生專註於收藏中國當代藝術。

藝術市場具有束縛性和短視性

我與丈夫一同收藏了30餘年的藝術品，這之中我們遇到的最大變化就是金錢對全球藝術生態系統的影響。

如今，「市場」決定了藝術界的每一個方面，從藝術家的生活方式、生產的藝術作品到藝術品在機構、媒體中如何呈現。每件藝術品背後都貼著可觀的價簽。然而很多人忽略了藝術看不見的屬性價值（Qualitative Value），越來越多的人把「價值」與「價格」混為一談，但它們之間有著巨大的差別。

讓我們從宏觀的角度來看這個問題：自現代藝術佔領市場之後，我們迎來了多文化發展的上世紀90年代中期，目睹了現代化的再創造和「新藝術」的本土化，但繪畫這種古老的藝術形式依然興盛於世，並加入了抽象繪畫這個讓人喜愛的種類。繪畫可以是批量生產的，但依然保有手工性，它們以不同的尺寸來配合不同的空間需求，無論是卧室還是會客廳都能找到合適的作品。抽象繪畫，尤其是以色彩實驗為主的作品，能瞬間抓住人們的眼球，令人無暇顧及畫面的具體內容。

我之所以特意指出它強大的適應性，並不是要蔑視繪畫或抽象藝術，而是要強調這背後市場的束縛性和短視性，往往是背後的交易商在操縱藝術家生產出前者想要的產品，這種機制下，後者甚至被前者激勵著批量生產此類產品。

這讓我想到了如今的藝術家的創作處境——當藝術界的首要規則就是金錢時，又怎能指望藝術家去冒險，進行創意性嘗試？也許一開始他們還有嘗試的勇氣，但很快就會被「可能賣不出去」這個緊箍咒嚇得縮回手腳——但藝術的本質不就是通過藝術家獨有的語言去大膽嘗試新想法、激起對話、引發新的體驗嗎？藝術家不像其他職業，他們不用融入一個社會群體中；相反，藝術家應該圍繞著我們建造一個新的文化。

2014年12月，藝術家傑夫·昆斯在法國蓬皮杜藝術中心的展覽現場

博物館也面臨著同樣的問題。如果未來的考古學家挖掘出了我們這個時代的博物館殘骸，一定會以為「現代主義」（Modernism）是一個純西方的產物，這當然是不對的。現代主義的起源與發展都是國際化現象，以不同的形式、時間線、起因在非洲、亞洲、澳洲和南美洲各自的主線上發生著。

那為什麼如今的博物館不再給我們講述這些故事？原因很簡單：它們賣不出去。再深究它們為何賣不出去？答案是它們太陌生了。為什麼陌生？最終根源是：博物館的總監只關注賣出了多少門票，而不花心思去講述一個完整的故事。

作為公眾機構，難道它們的職責不是去刺激創新思考、改變我們看待事物的方法嗎？其中一個途徑就是引入迥然不同的文化，將它們擺放在一個屋檐下，掛在一堵牆上，並排放置。這個做法會傳達兩個重要而精準的信息：外面的世界有許多來源不同但一樣重要的文化；這些文化在很多方面又具有相似性，僅從表面都可以觀察出規律來。

畫廊在其中又做了什麼？我們常常聽到畫廊聲稱自己在藝術商業化上是「清白的」，它們不會為了成本而犧牲藝術的智力價值；畫廊也不是一個盛放商品的展廳。但在越來越多的案例中，畫廊才是打造、參與了貿易巡迴的主力，光是從全球每年數量激增的博覽會就能窺得一二。無論他們怎樣反抗，畫廊主正在逐漸成為藝術商人，把越來越多的時間花在推銷「產品」上，打造他們的品牌，並將它推向每一個可能有交易的市場。從亞洲、中東到俄羅斯、南美洲。

結局如何？近些年來，這個全球藝術的大集市已經圈入了一撥新晉買手，是他們的加入讓「藝術購物」變得時髦。這裡也催生出了泛濫的模仿性收藏（Copycat Collecting），大量的熱錢只投給那幾個名聲在外的藝術家，只有極少數的藏家敢於在名單之外押寶新人。這些新晉買手盲目地跟隨著畫廊、藝術諮詢商和社交網路的潮流，相應地，藝術評論也被擠出了主流之外，在消費主義中變得跟不上時代。

2016年1月，藝術家艾未未在法國Bon Marche商場內的展覽

供求之外的藝術泡沫

我不會被藝術生態系統的改變所震撼，或因畢加索一幅畫拍到 2 億美元而瞠目結舌。事實上如果你翻開藝術史書籍，總是能在不同時期觀察出泡沫的存在。但當下的這個泡沫在我看來更為嚴重：它活躍在供求關係之外。

如今能展出藝術品的畫廊、機構、博覽會數量要遠遠多於高質量藝術品的數量。今天的藝術並不比 10 年、20 年或 30 年前的藝術要優越或低等 , 每個時代最具歷史意義的藝術家永遠是一個恆定的數量；今天的畫廊主和藏家也不比過去的更精明。

當下藝術市場上這股近乎瘋狂的源頭是對藝術品與日俱增的需求，是資本過剩後，人們追逐高額收益回報的投資選擇。藝術價格的瘋狂走高不是因為藝術界正在發生的變革，而是因為資本界沒有可投資的項目。這股繁榮不是來自藝術圈內部，和藝術質量也沒有任何關係。當一個人把藝術看作項目投資時，買下的是它的未來指數，是待市值翻倍後，賣給下一個接盤手的交易。

當我和丈夫30年前開始收藏時，一個藝術家的「市場」很大程度取決於藝術評論家對他的挑剔點評，而如今我們眼睜睜地看著評論家的位置被巨頭畫廊、大鱷藏家、大型拍賣行所取代。當然這其中還有時代的產物，Instagram、Twitter 和 Facebook 上不斷傳播的視覺圖片也催化了這一過程。

然而如果你問我，藝術和金錢的關係該如何調整，我也無法提供答案——藝術需要金錢。金錢改變了藝術世界的形態。但你若問我金錢是否影響了我收藏的方式，答案是堅決的否定。

我們無法改變外界，但可以改變自己。首先，我們比以往任何時刻都需要鍛煉觀看藝術的眼光，去更新、拓展知識體系，在有專業性、專註性的積澱下打造自己的私人收藏。其次，要關注藝術的「質量」，也就是藝術作品中不可取代的、持久的藝術價值。價格會不斷經歷上漲和下跌，但真正的藝術價值仍然是神聖而不會被取代的。

[編輯/姚雅軒] [翻譯/西頓] [文、圖片/多米尼克·萊維（Dominique Levy）]

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