什麼是「新圖像一代」？

Louise Lawler，《Why Pictures Now》，1981年，銀鹽攝影，3 x 6英寸 （7.6 x 15.2 cm）。圖片：致謝紐約現代藝術博物館， 2017 Louise Lawler

《Why Pictures Now》是一張由藝術家Louise Lawler創作於1982年的黑白攝影。這張照片的名字既是一個問題也是一種宣言，呈現的是一隻放在煙灰缸里、寫有作品名的火柴盒。這張照片也將作為重點展品出現在4月30日至7月30日期間於紐約現代藝術博物館舉辦的同名展覽中。「WHY PICTURES NOW」將會是這位藝術家的首個大型回顧展，將集中展示Lawler一系列最為知名的作品。

The Pictures Generation（圖像一代）這個略帶貶義的詞語代表的是一群似乎不那麼嚴肅的藝術家。但無論如何，這個名字保留了下來，並一直被用以代指那一代藝術家。1970至1980年代，這些藝術家以被藝術史學家Douglas Crimp稱作「再呈現」的方式進行實驗性創作，通過拼貼、以照片或其他藝術品為拍攝對象、以及挪用商業廣告圖等手段，拍攝的對象得以強化。Crimp於1977年發表的《Pictures》一文也出現在了Artists Space舉辦的同名展覽畫冊中。當時，Lawler並未參加這個展覽，但是卻被認為是「Pictures」團體的代表人物。

在這位藝術家的回顧展舉辦之際，artnet新聞收集了10位以「再呈現」為創作模式的藝術家。我們並非簡單地將這些藝術家納入「新圖像一代」，而是將他們看作是Lawler的繼承者，他們使用攝影作為體制批判的工具，將其轉化為對視覺文化進行創新的媒介。

Joshua Citarella，《Fashion Painting IX》，2016年，存檔級顏料列印在畫布上，22 x 16″

Joshua Citarella

1987年生於紐約

現工作及生活於紐約

借用Tim Gentles在《Art In America》的評論，Joshua Citarella的攝影「以當代圖像創作的方式對現實及呈現之間的界限進行把玩。」這位紐約的藝術家是Higher Pictures畫廊的代理藝術家之一，以數字媒介和雕塑形式的創作而聞名。Citarella使用修圖技術來創造那些普通方式無法使用的媒介（比如大理石塊），或者消除人物的某些部分、作為對媒體對於身體痴迷的某種批判。

Sara Cwynar，《Gold – NYT April 22, 1979 (AlphabetStickers)》，2013年

Sara Cwynar

1985年生於渥太華

現工作及生活於紐約

Sara Cwynar使用攝影、拼貼、以及裝置進行創作。這位藝術家大量收集圖片——用媚俗的視角將他們以不可思議的方式來進行組合。他以日常的圖片是如何影響人們對世界的認知為討論主題，進行圖片內容的整合性創作。在BOMB採訪中Cwynar說：「我受到了很多東西的影響，但是主要是：食品攝影、被忽略的商業靜物、人們的假日攝影、業餘愛好者拍攝的裸照、現成圖像，各種各樣的圖像隱喻以及它們的流通、價值轉換、讓我們形成觀點的方式。」

Martine Syms，《Natural Elevated Forwards》，2015年，存檔級顏料列印，c型展架，沙袋，66 x 62 x 27″

Martine Syms

1988年生於洛杉磯

現工作及生活於洛杉磯

Martine Syms是一位觀念藝術後起之秀，以視頻、攝影、裝置、行為藝術以及出版等各種方式進行創作。她經常使用懸掛在c型展架的雙面印刷照片，而圖片則來自於家庭照片、廣告、電影，經常以出現在媒體當中的黑人形象為討論主題。Syms的代理畫廊是洛杉磯的Bridget Donahue。她將會於5月27日-6月16日期間在紐約現代藝術博物館舉辦首個博物館個展。

Artie Vierkant，《Image Object Thursday 4 June 201512:53PM》，2015，鋁板與塑膠，49 x 49 x 38」

Artie Vierkant

1986年生於明尼蘇達州的Brainerd

現工作及生活於紐約

後互聯網藝術家Artie Vierkant使用實體及數碼的媒介進行創作，經常使用自己的照片來製作雕塑。在為《October》寫的一篇文章當中，他寫道：「我們已經習慣於通過物體來思考我們的世界。這在一個屏幕與文件這些代表著非物質、不可觸及的東西的年代當中，看起來似乎自相矛盾，但是實際上這些我們用於梳理和與世界互動的主要互動界面，讓我們思考以無數的物件組合而成的世界、以及我們自己的方式變得更加簡單。」

Vierkant的作品由巴黎New Galerie代理，目前正在赫爾辛基Kiasma當代藝術博物館的群展「ARS17」展出，展覽至2018年1月。

Kate Steciw，《SpringtimeEntropy》，2009年，C-Print，50 x 40″

Kate Steciw

1978年生於賓夕法尼亞州Bethlehem

現工作及生活於紐約

「Kate Steciw的作品討論的是日常生活當中的實體物件與他們在互聯網上的平面展示的關係，」Charles Marshall Schultz在AiA中說。這位藝術家曾經是修圖師，經常使用現有的照片並對其進行改造，創作出抽象的視覺效果。她是紐約Higher Pictures Gallery、義大利米蘭 Brand New Gallery、以及德國柏林Neumeister Bar-Am的代理藝術家。

Leigh Ledare，《The Walk 2016》，玻璃，填充劑，撿來的明信片，來自R.D. Laing書籍Knots以及食物的拼貼，13.75 x 9″

Leigh Ledare

1976年生於西雅圖

現工作及生活於紐約

這位紐約的藝術家曾經學習過攝影，將攝影、文獻圖片、電影、文字結合在自己的作品當中。他使用圖像及圖像文化來探討身份、家庭、社會關係、以及性慾的主題。他是紐約Mitchell-Ines & Nash的代理藝術家。

Lucas Blalock，《Strange Loop》，2009年，彩色列印，40 x 30″

Lucas Blalock

1978年生於 Asheville

現工作及生活於紐約

藝術家Lucas Blabock使用互聯網時代常用的數字修改技術來進行藝術創作，關注於圖片的製作過程以及它們於空間當中的人的關係。他的照片經常故意做成古怪的樣子，幽默在其中扮演了重要的角色。他還使用大型的膠片相機來進行拍攝，然後將照片掃描之後在Photoshop中進行修改。

《MagentaMassacre printing plate》，2013-2014年，使用塑料袋在鋁板列印，30 x 41″

Ryan Foerster

1983年生於加拿大Newmarket

現工作及生活於紐約

Ryan Foerster是一位多產的藝術家，使用很自然的方式來進行創作——通過自然和戶外景觀來營造色彩豐富的圖案。他將塵土、棍子、以及各種物品仍在光感相紙或者鋁板上，然後讓光線來完成創作。Foerster在Brighton Beach工作室的戶外進行創作。

Timur Si-Qin，《Visit Mirrorscape: Arrive》，2016年，Blacklit tension fabric display，鋁製相框，LED照明系統

Timur Si Quin

1984年生於德國柏林

現工作及生活於柏林

這位藝術家是德國及中國蒙古族的後代，使用現成的照片及商業圖像來創造虛擬的品牌——比如他的假時尚品牌「PEACE」——來呈現自然世界與數字和商業世界之間的關聯。這位藝術家對《藝術論壇》說：「我對商業廣告中所呈現的人類對身邊的世界所進行的理解和回應過程十分感興趣——這是我們文化當中圖像搜索的方式所留下的指紋。」

MarcoScozzaro，《SVIAGGIONI》，2016年，丙烯裝裱列印，40 x27」

Marco Scazzaro

1979年出生於義大利都靈

現工作及生活於柏林

這位藝術家曾經接受過專業的時尚攝影訓練，現在使用膠片進行攝影然後通過數字技術進行調整，營造出奇異的視覺效果。在與Qiana Mestrich的採訪當中，這位藝術家說「創作就是對當下視覺文化的探索，我希望從視覺環境當中提取出不同的元素，並且使用它們來創作出多層次的圖片與雕塑。」Scazzaro今年早些時候在紐約的Baxter St完成了自己的首個個展「Digital Deli」。

文：Terence Trouillot

譯：Joe Zhu

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