電影剪輯中鏡頭選取的藝術

琳恩·格羅斯/作 廖澺蒼、凌大發/譯

導演通常會儘可能拍攝足夠多的素材以備剪輯時選取。而事實上，使用數字設備拍攝時，往往因為選擇太多而使剪輯過程拖得很漫長。在經典好萊塢電影拍攝方法中是通過主場拍攝方法（master scene shooting method）來保證最後有足夠的鏡頭可供選取，一般是拍攝一個遠景作為主鏡頭（master shot），然後再分別拍攝特寫鏡頭、反應鏡頭、切入鏡頭和切離鏡頭。

運用上述材料的典型剪輯方法是，以遠景鏡頭（可能是主鏡頭的一部分）為第一個鏡頭，給它們一個引導，然後接一個包含了主要情節的中景鏡頭，最後是一個把個別演員或表演獨立出來的特寫鏡頭。有時候，還會在其中加上一個定位鏡頭，一般放置在全景鏡頭之前用來向觀眾交待劇情發生的背景。例如，在電視電影《９０航班：波多馬可河上的災難》中，定位鏡頭是機場外景，告訴觀眾下面的故事將要發生在機場中。事實上，雖然機場的外景可能是在辛辛那提拍攝的，而機場內景可能是在伯班克的攝影棚內拍攝的，但由於這兩個鏡頭是緊挨著的，觀眾就會認為接下來的故事是發生在機場里。在定位鏡頭之後，是一個機場內部的遠景，表現排隊檢票的人們和機場工作人員的中景鏡頭，接著是工作人員的近景特寫（圖11-4）。

如果把這個剪輯順序顛倒過來，一開始是一個交待細節的近景，觀眾會猜測這是哪裡，而接下去的鏡頭就回答了他們故事發生的地點。保留一些信息是製造懸念的好辦法。一把匕首的特寫，一個背面手持匕首的男人的中景，然後再切到一個完全不同的場景，這比使用全景和定位鏡頭更能引起觀眾對匕首的恐懼和好奇。

有很多方法可以把場景分成更多小細節。比如主觀鏡頭可以增加場景需要的主觀感覺，一個恰到好處的定格可以起到對特定人物或者事件的強調作用，正反打鏡頭（圖11-5）經常被用來表現兩人的對話場景，而過肩鏡頭也是經常被用到的。

場景鏡頭細目中可能還包含反打鏡頭。比如媽媽打電話時兒子的反應（圖11-6）。正反打鏡頭的拍攝給了剪輯師新的選擇，就是可以讓觀眾把注意力集中在人物對對話和行為的反應上， 而不是說話的人或者行為本身。著名導演阿爾弗萊德·希區柯克認為，人物角色的反應通常比事件本身更有意思，所以在他的很多作品中，他都儘力地發掘反應鏡頭的力量。

剪輯正反打鏡頭和反應鏡頭時，剪輯師必須非常注意視線匹配（eyeline match，圖11-7），因為這些鏡頭中的人物是被分開的，他們向屏幕外看的方向（互相對視的方向）和視角必須精確吻合。如果一個人站著，另一個人跪著，那麼站著的人所看的角度必須是指向跪著的人的。由眼睛所看的方向確定的目標區域是必須要與其後的鏡頭相匹配的。

另一個連接一場戲的方法是使用場景中各個重要細節的特寫鏡頭。剪輯師會用一些特寫鏡頭當作切入鏡頭或切離鏡頭（cut-away）。切入鏡頭包含一些在過去鏡頭中出現過的內容，例如，圖11-8中的嬰兒鏡頭就是切入鏡頭，因為他在前後的鏡頭中都出現過。 切離鏡頭內容則是在之前鏡頭中都沒有出現過的。圖11-9中，飛機操控面板的鏡頭就是切離鏡頭，因為它在之前和之後的鏡頭中都沒有出現過。切入鏡頭必須保持連貫性，但是連貫性並不是最關鍵的。

當然，要有不同的鏡頭供剪輯師使用，就必須拍攝足夠的素材。如果導演沒有拍攝嬰兒的特寫鏡頭，它將不能被作為切入鏡頭使用。如果導演認為沒有必要拍攝反應鏡頭的話，那場戲中就不會有反應鏡頭存在了。這就是為什麼導演需要事先在腦中進行剪輯，對要拍攝的東西要有清晰的計劃。

拍攝主鏡頭以及定位鏡頭、全景鏡頭、中景鏡頭、特寫鏡頭絕對不是提供鏡頭選擇的唯一途徑。有些電影（比如吉姆·賈姆許導演的影片《天堂陌影》幾乎全部都由全景鏡頭組成，而另一些電影則側重使用特寫鏡頭。獨立電影製作人就會通常出於藝術性和預算的考慮而這樣做。特寫鏡頭可以在觀眾腦中營造一個劇院，因為它要求觀眾去想像周圍的環境。而且，特寫鏡頭拍攝成本低，因為它不需要布置昂貴的場景。

郎·霍華德導演的影片《美麗心靈》中的很多場景是從主角約翰·納什，一個患有精神分裂症的數學家的視點去拍攝剪輯的。通過這種手法，就使那些精神分裂的場景顯得更真實。德國電影製作人帕提爾 製作了一個描寫她母親製作薩摩薩餅的紀錄片。但是他沒有使用傳統介紹烹飪的紀錄片的拍攝方法，事實上他甚至沒有拍到他母親的臉，而是運用了影片《憤怒的公牛》（Raging Bull）中打鬥場景的拍攝和剪輯方式。他說：「我想使用一些我們經常在暴力片斷中用到的方法來製作一部女性電影，人們通常都覺得那些片斷非常漂亮有舞蹈感，我在想，這種主觀的方法有沒有可能被電影化地運用到追車戲中。」

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