上海電影節看什麼？我們有一份特別的觀影指南！

最新 06-15

「 2017.6.11，

7點50分，鬧鐘準時響了，一年一度電影節搶票大戰即將開始。

8點15分，搶票結束。我刷了一下朋友圈，又是一片哀鴻。

每年上海電影節，我最期待「4K修復」和「向大師致敬」單元，最怕趕不上下一場在別家影院的電影。密集性觀影之後總是身心疲憊，每年都說明年還是少看點好了。

不過每年六月，我依然奔波於魔都大小影院，樂此不疲。而我身邊的電影痴們來自各行各業，彷彿在電影面前，我們自身所帶的職業、年齡等屬性都被弱化了。

但今天，我們只想向你推薦這樣一份特別的觀影指南，全都來自於同一類人群——攝影藝術家。」

藝術創作間的觸類旁通無需多說，而我們發現，不少攝影師的作品更能讓人感受到與電影的共振，產生互通和極大共鳴。於是 BROWNIE 邀請來4位簽約攝影師，他們喜歡電影，並且在他們的作品中，我們也不難發現某部電影或者某位導演與之見微知著的聯繫。

現居紐約。在修讀社會學，廣告創意，數字營銷及平面設計後，進入紐約視覺藝術學院專攻攝影專業。作品曾參與邁阿密當代藝術展，美國藝術家聯盟 Top 30 攝影展等影像藝術展中，並獲得了倫敦攝影基金獎提名，入圍東京國際攝影節。

阿彼察邦·韋拉斯哈古 Apichatpong Weerasethakul

▼ 導演阿彼察邦·韋拉斯哈古

兩年前的紐約電影節上，阿彼察邦的《幻夢墓園》讓我對這位泰國導演念念不忘。後來我去學校圖書館裡找全了他的幾乎所有長篇 DVD，對這位「相識恨晚」的導演做了大量功課，再後來也有機會看了他的幾部短片。2015年我開始了自己的藝術創作，我思考的第一個問題是，我能創作什麼？那段時間，我花了很多時間在往回看我的回憶積累，可最後我竟然發現大腦一片空白。

▼ 《幻夢墓園》海報

而阿彼察邦，一位電影導演，一位藝術家，通過他的視覺語言，精心處理著他和他的回憶，恍惚卻又深沉，讓我意識到對自我的過去如此缺乏主動的關照。就在這個時候我開始著迷於阿彼察邦的那種自由但又克制的語言，把記憶和夢境壓縮成了真實的生活。於是我大概找尋到了我的創作歸屬。

叢林是我喜歡阿彼察邦的另一個原因。這個意象很頻繁地出現在他的電影里，成為一種標籤。自然風景是我創作上最大的題材依託，但唯獨叢林能夠帶給我最獨特的情感體驗，是一種種能夠赤裸坦誠的自由又夾雜著一絲小心翼翼的警覺心理，是從絕對開闊的大海和山川那裡無法獲得的。這種並非絕對自由的自由，是叢林能夠帶給我的特殊意義。

▼ 《幻夢墓園》劇照

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（范浩然友情提示：雖然這次上影節並沒有展映阿彼察邦的作品，但上海香格納畫廊正在進行阿彼察邦系列實驗影像裝置和攝影作品展「紀念碑」，推薦大家去看。）

很難說某一部電影影響了我的某一組作品，如果非要回想，土耳其導演努里·比格·錫蘭的鏡頭語言對我幾年以前的紀實系列 That Place 有過很大的影響。

▼ 導演努里·比格·錫蘭

錫蘭在自己很多部影片里也擔任攝影一職，他的鏡頭感很好地把握了人物與棲居環境之間的距離，把人物沉悶，無聊，孤獨又不安的生活狀態通過環境的張力無線放大。我喜愛錫蘭電影里無數的長鏡頭，它們讓我記得真實的生活原來就是那樣，每個人都如此渺小地在環境里遊走，被環境所改變。

▼ 努里·比格·錫蘭指導的電影劇照

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而 That Place 恰好是在我瘋狂迷戀錫蘭的那段時間裡拍攝的。我在深秋和冬季去到刮著刺骨寒風的科尼島和布萊頓海灘，拍攝了一系列海灘老人系列，他們是構成這個社群的主力，平日生活沉悶。拍攝的時候我與他們保持距離，生怕打擾這份清冷，他們和冬日的大海很好地配合成了一幅幅生活圖景。

其次，還是回到阿彼察邦，他對我的影響是毋庸置疑的。不像錫蘭那樣是鏡頭語言的安排上的，而是天生所帶對自然、叢林、夢境這些符號的親密感。在最新一組作品 Displacement 里，你可以看到大量洞穴，岩石，樹林，動物的出現。我在自然中尋求庇護和自由，我希望自己創作的畫面是平靜的，細膩的，但又充滿故事與力量。

|| Displacement ||

A photo series by Haoran Fan

在電影節官網上看到評委會主席是羅馬尼亞導演克里斯蒂安·蒙吉的時候，我迅速地想到了《四月三周兩天》這部影片，幸運的是它也出現在本屆電影節的片單里。

▼ 《四月三周兩天》海報

這是我能想到的對特定時期人物關係描寫最真實徹底的影片之一，絕對貼近生活，真實到你能隔著屏幕聆聽主人公的呼吸聲。影片在拍攝方式上下足功夫，嘗試用一種紀錄片式的拍攝手法去盡量抹除「劇情片」的概念，讓觀眾去接近故事本身。電影里大幅的對話長鏡頭，遊走於畫面之外的對白以及「粗劣」的手持拍攝都在竭盡全力地呈現冰冷世界的面目

我想這是電影最大的善意，用別人的故事教會我們更好地珍惜自己的生活。

▼ 《四月三周兩天》劇照

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顧晨晨，現居上海，畢業於倫敦藝術大學，主修時尚攝影。作品曾發表於 Vogue Italian , HUF , deFUSE 等時尚媒體和雜誌，並多次參與海外展覽。

大衛·芬奇 David Fincher

▼ 導演大衛·芬奇

穆赫蘭道 Mulholland Dr. (2001)

▼ 《穆赫蘭道》海報

在真實與幻覺之間，在現實與潛意識之間繁複交錯，探討了人性的複雜多面性。影響了我好幾組片子，比如 Mirror 發表於 Heaven Has Heels Magazine；Painting Girl 發表於 Elegant Magazine 等。

|| Mirror ||

A photo series by Chen Chen

看不見的客人 Contratiempo (2016)

▼ 《看不見的客人》海報

在今年的片單里翻了很久，終於看到了這部心頭好。全劇場景很簡單，在一個房間，由兩個人的對話與回憶展開。情節設計巧妙，中間猜想與現實交錯，結局大反轉且意味深長。又是我最愛的人性片。完全考驗編劇的水準和演員的功力，非常值得一看。

▼ 《看不見的客人》劇照

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現居紐約，現於紐約視覺藝術學院攻讀攝影與視覺藝術碩士。他的攝影作品曾在中、美、意參展，並在2016年攜最新作品系列創作參展與集美·阿爾勒國際攝影季。

我喜歡的導演很多，但朱塞佩·托納多雷（Giuseppe Tornatore）是第一個我主動去「搜刮」其所有作品的導演。他的電影里吸引我的地方，是對影片細節一絲不苟同時又能通過更為複雜的時間框架來敘事的能力——有單個角色不同生活時期的軌跡，也有不同年代的角色間的戲劇衝突。

▼ 導演朱塞佩·托納多雷

順帶一提，對他的喜愛一定程度上歸功於他絕大部分電影的配樂，傳奇的 Ennio Morricone 。我第一次看他的作品就是小學音樂老師給我們在音樂課上放過他的《海上鋼琴師》，那張原聲碟應該在我每一部 MP3、CD 機和手機中都播放過。

如果要問是否有電影直接致使了我的某個作品的製作，或者帶來了相關靈感，一時還真答不出來。

但是總體來說，我希望我的作品的特質就是在既存事實（社會現狀、史實、科學理論等）的基礎上，加入一些個人色彩或想像。介於一本正經和玩笑話之間，要理性和幽默並存。這種特質非常容易通過電影來表現，一句台詞或一個動作即可能為整個作品增加另一個層次。所以說我認為我的創作理念是與電影藝術有相契合的地方的。只是一部電影很難直接促使我去做一個新作品，畢竟最終呈現在觀眾前的電影也都是屢經雕琢的產品了。

由於新片絕大部分我都沒看過，再次推薦那些經典電影又顯得老調重彈，我決定帶著私心推薦這部《父親與伊藤先生》。

▼《父親與伊藤先生》海報