「以抽象的名義」學術顧問＆青年藝術家

最新 06-23

編者按

2017年5月中旬，《庫藝術》舉辦的」以抽象的名義」青年藝術家評選推廣活動結果隆重揭曉，《庫藝術》與九位學術顧問一起，從幾百位投稿的青年藝術家中選出二十位，參與到後續一系列的學術活動當中。

首先，我們邀請了這些青年抽象藝術家進入到幾位學術顧問的工作室（或展覽現場），進行兩代抽象藝術家零距離、面對面的交流和碰撞。第三次拜訪活動，我們來到了馬樹青老師的工作室。

下文是當天的談話記錄，同樣鑒於篇幅限制，我們進行了提煉和縮減，保留了精華內容，以饗讀者。

馬樹青：繪畫是一種限定之中的藝術

與馬樹青老師的對話，

是從他解釋自己的作品和藝術理念開始的，

話題延展得非常寬泛,

主要圍繞「自由」與「限制」進行…

馬樹青=M: 其實我並不太在意抽象和具象之間的距離，這兩者都屬於繪畫，是繪畫就要面對很多相同的問題。

繪畫在今天其實挺難的，作為一種舊有的藝術形式，它就像一個淘盡了的金礦，沒有太多可挖的了，繪畫史上積累那麼多大師，要超越他們幾乎不可能，而且在今天這個時代，有更多樣新出現的藝術形式可以去探索。

那為什麼還有很多人一直在這條路上堅持？我覺得是因為人們把繪畫當做一種思考的媒介，現代繪畫又展現了一種不同於古典繪畫的模式，更注重過程而非結果。印象派之後，西方繪畫變得越來越獨立，它不再告訴你這是什麼，而只是讓你去「看」。到底「看」的是什麼？我覺得是繪畫的過程。

我現在在學院里教書，科目叫「自由繪畫」，我跟學生說，我們不要談自由，因為自由是一個不可確定的概念，你坐在這裡和被關進監獄裡所理解的自由肯定是不一樣的。更重要的是什麼？是限定。繪畫是平面的，是靜止的，又恰恰通過這兩點來呈現時間的流動和空間的深度——這才是繪畫最根本的意義和最有意思的部分。

在馬老師初步闡釋完自己的觀點之後，

大家根據自己的經歷和經驗，

提出了各種疑問

陳晗：您的作品初期是怎樣的？像我在創作的時候會有一個出發點，然後慢慢在每張作品裡尋找自己。

M: 我跟你差不多。我以前學過版畫，稿子畫的比別人好，但手腳不夠利索，刮完之後就碰到側面，一遍不滿意我又刮，直到2008年，譚平做一個聯展，拿了我一幅小畫，當時那個展廳特別乾淨，顯得我手碰髒的地方有點明顯，那時才開始留意到畫布的側面也可以有表現力。後來我開始從時間、空間去理解繪畫，就又回應到側面這一個點上來，而且創作中我發現側面堆厚的時候，正面的單色對比更明顯了，於是變成有意識地這樣去做。

趙一霖：您是不是認為應該從空間的角度去理解繪畫？這更像是一種思維方式，您覺得所有人都應該這麼理解嗎？

M:藝術分兩種，一種是觀念的，一種是視覺的，我自己是通過視覺的藝術去探討藝術的觀念。

在我教學的過程中，發現一個很大的問題，就是大家經常把「主題」和「題材」搞混。其實每個人的主題都是一樣的，時間、空間就是主題，人體，風景，靜物這些是題材。主題是必須的，題材可以更換。

這就是我們所說的「去形象化」。二戰之後的藝術家，還有現在歐洲的抽象藝術家，很多根本沒畫過寫生。當你沒搞清這些重點主次的時候，只是把那些題材比如一棵樹畫得很像什麼的，這時候的畫面其實是一個很無聊的東西。

趙一霖：畢竟我們是生活在一個現實的大環境裡面，所有藝術作品都要給其他人看到而不是自己孤芳自賞，但當我在做時間和空間的研究，別人卻不知道、不理解我所做的東西的時候應該怎麼辦？

M:別人知道不知道無所謂。畫畫是一個過程，像生命一樣，重要的不在一個結點，因為結點都是死。而在這個過程里有多少人陪著你，理解你，要看你的運氣。其實繪畫完全是個人的意識，不可能有太多的知音，畫得越個人化的東西，理解你的人就越少。

朱佩鴻：您所說的限制，我感覺就是在一個遊戲規則里去探索，如果規則定的能跟自己喜好的方向是一致的，就會很有意思。如果跟自己沒關係，可能就走到另外一條路上了。

M:一些抽象的、邏輯的思考對繪畫幫助很大。今天抽象繪畫根本沒辦法比誰的技藝高超，關鍵是你思考的深度，個性化。

當我們講觀看的時候，就牽扯到角度，我們的觀看是被限定的，在一個特定的時間我們只有一個角度，今年我帶的學生里有一個做了件作品，表面看是一個藍色方形，但是你稍微一挪個地方，就不是一個正方形的藍，每一張畫都會隨著角度產生變化，他這種方式已經很接近那種關鍵性的思考。今天的繪畫已經遠離文學了，今天的繪畫更依賴的是哲學，其實具像繪畫也在面對這樣的問題。

仇墨嬌：在和您之前的交流中，您提過里希特的「白色繪畫」，請問這個「白色繪畫」具體指什麼？是否意味著單一的元素更難表現？

M:里希特原話是說，我已經70多歲了，現在應該有資格畫一張白色的畫了。我當時就想，白色的畫有什麼難的嗎？我就拿了一張自己的畫開始塗白，當快塗滿的時候，發現上面有一塊黃特別精彩，不捨得用白顏料蓋上去，就蓋了一塊藍色，蓋著蓋著，我就發現自己沒有領略里希特的原意。我覺得他其實是要說，人不應該事先想好畫一個什麼樣的畫，不管是白色還是黑色。過程很重要，就像生命一樣，我們無法預料到中途會發生什麼，都設計好了，生命就沒有意義了。

陳子風：您是否覺得藝術沒有任何定義？

M:藝術是有定義的，但是只是個人的，沒有公共的。我現在在美院上課，特別同情這些學生，因為他們都經過考前班。經歷了考前班，幾乎都沒有再畫畫的慾望。我還發現不管哪個美院，所有的課程都是公共課，人體是共同課，靜物、下鄉寫生全是公共課，但是藝術教育是獨一無二的教育。不同於清華北大，藝術不是學習知識，有的學生知識比老師還豐富呢，藝術教育就是培養你的獨立思考能力。

後記

談話的一開始，氣氛是有些沉重的，因為馬老師闡明了自己對繪畫的前景不太看好的原因：前人對繪畫各方面可能性接近挖掘殆盡，今天藝術表達方式又極為豐富。但話鋒一轉，他又提及為什麼在這種情況下，仍然有那麼多人堅持繪畫，因為繪畫有著與其他形式不同的特質，這種獨一無二的特質，使它時至今日仍無可替代。

繪畫的魅力來源於「限定」，而不是「自由」，一個很另類、也是此次拜訪馬老師工作室收穫的一個主要的觀點，以此為坐標，每個人也許可以得出自己的答案。

現場花絮