記憶香港：張國榮的這部作品被評為香港十大電影之首

它被香港電影評論學會評選為「十大香港電影」之首，也是哥哥張國榮最具代表性的作品之一。從它上映到如今已經26年過去了，但這部電影卻並未因時間的沖刷而褪色，反而歷久彌新，煥發出更奪目的光芒——《阿飛正傳》。

電影的主角便是張國榮飾演的阿飛旭仔。他很小被生母拋棄，成長在缺乏母愛的環境中，找不到認同，也缺乏足夠的安全感，所以長大後既渴望與他人親近又恐懼建立真正的親密關係。

而這種心理所帶來的結果就是不斷接近新的女人，通過短暫逗留獲得些許溫暖，然後馬上飛走，避免任何深層次的感情羈絆。用電影中的比喻形容，旭仔就像是一隻命中注定無法落地，一輩子只能在空中不停飛翔的「無腳鳥」。

本片是王家衛執導的第二部電影 ，也是奠定他獨樹一幟的個人風格的關鍵作品。甚至說，墨鏡王此後所有的作品，都可以被看做《阿飛正傳》的某種變體與延伸。

恰如香港另一位重要導演杜琪峰的評價：王家衛實際上只拍了這一部電影：後來影片中的人物都能在其中找到原型，而主題永遠是人與人之間的溝通——疏離與親近，拒絕與接納，追求與失落，忘卻與銘記，逃離故土與尋找自由。

所以更多喚起的不是觀眾的代入感，而是一種偶像式的迷戀，而「偶像」則是指演員與角色的統一。就拿《阿飛正傳》來說，如果你代入故事，或者把電影中的情境置換到現實，肯定會覺得旭仔就是個不折不扣的渣男，但相信看片的時候很少有人會對這個角色產生厭惡，其原因就是王家衛呈現的是一種高度抽象化的真實，在這裡道德被架空了，情調取代了情節，感受取代了評判。

說完人物，再透過《阿飛正傳》聊一聊王家衛電影的敘事。其特徵顯而易見——傳統敘事中嚴謹的開端、發展、高潮、結局式布局被完全捨棄了，取而代之的是片段式結構與拼貼式處理；宏大敘事被摒棄了，取而代之的是帶著後現代美學特徵的凌亂、細碎與隨意。

影片結尾處突然出現了此前從未露面的梁朝偉

而這樣的敘事模式，其實某種程度上說是王家衛獨特的創作模式。眾所周知，王導拍電影很多時候都並沒有一個完整的劇本，演員當天才能拿到台詞。

他也不像大多數導演一樣嚴格按照設計好的分鏡頭腳本逐場逐鏡的拍攝，而是隨時拍隨時改。所以他的電影往往是先有一系列段落，然後再把段落「拼湊」成成片。

導演說：旭仔在菲律賓的戲開拍前連構思都沒有，拍這場想下場

尤其是畫外音，可以說是王氏作品中不可或缺的輔助敘事手段，粗略算了一下，畫外音在《阿飛正傳》出現了7次，在《重慶森林》出現超過30次，《東邪西毒》中這個數字還要更高。且不像大部分電影那樣畫外音始終由一個人講，王家衛電影是很多角色都在發聲，敘事視角來回跳躍。

《阿飛正傳》中蘇麗珍獨白與旭仔獨白

這樣的處理，不僅讓觀眾能夠進入多個角色的精神世界，也彌合了即興創作的各個段落之間的縫隙，大大增強了影片的整體性。

那些經人物之口念出的經典台詞表面上增加了電影的逼格，但從電影的整體上來看卻是一種必然，具體台詞可能出自王導的直覺，但選用獨白這種方式勢必是經過理性的考量。

《阿飛正傳》中劉德華獨白

所以王家衛的作品有很大的即興成分，許多觀眾也因此認為影片展現出的是一種感性之美，但我覺得這種說法卻忽略了其中的理性因子，王氏作品中所謂的神來之筆，其實都是直覺與計算的結合。最經典的，張國榮獨舞那場戲——

自然扭動的身體，信手拈來的音樂，再搭配上極日常化的白背心與大褲衩，這段戲帶給人的第一感覺是非常隨意，彷彿情緒的自然流暢。不過如果你看的電影比較多，就能發現其中頗為明顯的設計感。

《阿飛正傳》中，旭仔對著鏡子一邊舞蹈，一邊自我欣賞。某種程度上說他欣賞的不是自己，而是自己創造出的飛在天空中的幻象——這個幻象兼具女性的陰柔與男性的陽剛，不需要與他人為伴只需要和自己共舞，渾身散發著一種封閉且自信的頹廢之美。正如幻像終會被打破，無腳鳥終有落地的一天，那便是他不可變更的宿命。

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