聽沙弗蘭演奏巴赫 《無伴奏大提琴組曲》有感

巴赫之所以被稱為音樂之父，很重要的一點，是他創作了大量的樂器獨奏曲。對於鍵盤樂器演奏高手的巴赫來說，鋼琴的獨奏曲自然不在話下，雖然這些曲子當初並不是為現代鋼琴而作的，但由於其藝術價值和演奏難度等原因，一直是鋼琴練習者的高級課程。然而，除了鋼琴之外，他還創作了小提琴、大提琴和長笛等獨奏曲，這些曲目有一個特點就是純粹的獨奏。這有別於後來所謂的獨奏曲，其「獨奏」更準確的意思是「主角」，通常會有鋼琴作為伴奏而存在。所以，巴赫的這套大提琴組曲被稱為《無伴奏大提琴組曲》。

一共六組的《無伴奏大提琴組曲》（編號為BWV1007至BWV1012）是大提琴文獻中最艱深的音樂，然而面世不久就被世人遺忘，即便在19世紀的音樂圈裡也是鮮為人知的。直到1890年，當年只有13歲的大提琴家卡薩爾斯（Pablo Casals，1876-1973年）偶然在一家二手音樂書店裡面發現了《無伴奏大提琴組曲》的副本。據卡薩爾斯後來回憶：「我那時甚至都不知道這些作品的存在，也從來沒有人向我提起過它們，這次發現對我的生命是一次奇妙的啟示。我緊抱著我的寶貝，飛也似的跑回家，馬上開始練習這些組曲。」隨後，卡薩爾斯用了13年的時間，才在公開場合演奏其中的幾首，一直到1936年他60歲的時候，才開始錄製這部曲子，並於1939年完成了全部錄製。

可以說，卡爾薩斯使《無伴奏大提琴組曲》重見天日，而《無伴奏大提琴組曲》則使卡爾薩斯成為最出色的大提琴家。當初，專業圈子裡面的人們，即便對此曲有所聽聞，也認為只是為練樂器而寫的練習曲，屬於純技術範疇的。但是，當大家聽到卡爾薩斯的演奏之後，便明白，這部曲子也是富含深刻藝術價值的。卡爾薩斯對它是這樣理解的：「技術的目的是將我們感受到的音樂內容表達出來，要突出音樂的主旨。而任何一部傑作的、有內涵的作品都有豐富複雜的體系，紙上的音符無法完全反映。演奏者要做的就是讓音符變成活的，賦予它生命……而這需要在我們的心中找到共鳴，還要發現問題，這是沒有止境的勞動。」

卡爾薩斯版《無伴奏大提琴組曲》的錄音固然寶貴，但由於其錄製於上20世紀30年代，若從演錄效果來說，並不適合推薦給大家。而作為大提琴演奏的試金石，其後的大提琴家大多留有作品的錄音版。在技術上能完成這部作品的大提琴家比比皆是，然而能傳承卡爾薩斯的藝術理念，讓音符變成活的，賦予它生命的藝術家卻屈指可數，而其中最值得推薦的，則是沙弗蘭。

前蘇聯的大提琴家丹尼·沙弗蘭（Daniil Shafran，1923-1997年），有人稱其為「（前）蘇聯的卡爾薩斯」，也有人稱其為「大提琴詩人」。他演奏的《無伴奏大提琴組曲》是筆者最為推薦的版本。然而，此曲的演奏形式確實會讓人先入為主地認為單調而乏味，何況巴赫的年代又是如此久遠的。難道我們要從復調音樂的寫作技巧去感受巴赫的偉大？抑或崇仰的是如此宏大的多聲部音樂，其載體只是一把大提琴？或許以上所問即答案，但並不一定是最好的答案。我們不妨參考科普蘭對欣賞音樂三個階段的定義：美感階段、表達階段和純音樂階段。或許對於非音樂專業的普通愛好者來說，前兩者才是重點。所以，下文重點是關於美感和表達。

沙弗蘭在20世紀70年代錄製的這個版本，其錄音是相當理想的。而且沙弗蘭所用的大提琴是1630年制的「阿瑪蒂」名琴，這是沙弗蘭在1937年以「非正式」身份（因不符年滿18歲報名規定），破格參賽並贏得全蘇大提琴比賽的獎勵。然而，美感並不只在於溫暖醇厚的音色。回到音樂的本身，巴洛克時期的組曲通常是由前奏曲和各類的舞曲構成，比如阿勒曼德舞曲、庫蘭特舞曲、薩拉班德舞曲、小步舞曲和吉格舞曲等。然而這些古老的曲風，在大提琴的獨奏下，要讓人能感受到舞曲的所在，則並非易事，這就更凸顯演奏者的表現力了。力度的強弱變化，節奏的準確把握，這些都是沙弗蘭最引人矚目的方面。然而，大家就會質疑一個問題了，難道大提琴獨奏舞曲的美感能比得上交響樂隊演奏的芭蕾舞曲？《無伴奏大提琴組曲》給人的感覺，與其說是舞曲，還不如說是一首首深沉的詩篇，充滿哲人滄桑的感慨。

那麼如果從表達的方面去欣賞，會是怎樣？如果說音樂的表達可以分為具象和抽象，《無伴奏大提琴組曲》則屬於抽象的範疇。那麼這種抽象的表達是源於宗教的虔誠？抑或是各種情緒？或許都正確，但是抽象的表達，如果用具體的文字來闡述，則顯得蒼白。所以，筆者不妨換一個角度，去解釋筆者關於《無伴奏大提琴組曲》的理解。

現在針對小朋友才藝的培訓是愈演愈烈了，而筆者小時候只是練習過書法。但如同大多數琴童一樣，練書法是被迫的，根本不知個中樂趣，甚至是厭惡和逃避。這個問題是在於，小時候熟背唐詩三百首，沒有幾首當時是理解的，而當漸漸長大後，隨著學歷的增長，生活、社會的體驗的增加，唐詩三百首逐漸變成了寶庫。如同逐漸理解到巴赫的偉大，筆者後來也逐漸接觸到書法藝術的靈魂所在。聽《無伴奏大提琴》組曲會使我想到蘇軾的字帖。蘇軾的書法與巴赫一樣，都是深沉、粗獷而富於變化，那種惆悵蒼涼的孤獨感是相通的。在時而飛舞、時而緩流的樂句中，筆者產生了這樣的想像——鐵畫銀鉤的就如同抑揚頓挫的弓法，輕盈圓潤的就有如婉轉抒情的旋律。「清風徐來，水波不興」與「亂石穿空，驚濤拍岸，捲起千堆雪」是具象的，而書法和音樂則是抽象的，神充氣足、飛揚飄灑、起伏跌宕、抑揚頓挫、迅疾而穩健……再多的詞語也是枉然，只能用心去體會個中的境界。誠然，這是藝術的完美境界，然而這種境界卻又是那麼的難以企及。蘇軾和巴赫就不用多說了，至於沙弗蘭，他之所以能達到這個境界，除了天才般的智慧，還在於堅持不懈的探求與挖掘。如何合理地使用「自由節奏」表達音樂的生命？如何做到顫音從無到些微，再到巨大範圍的揉弦，並且伴隨著不同的力度？如何使如絲般醇美的聲音又兼具熱情與澎湃？如何讓五線譜上的音符變得具有活力與生命，讓音樂變成磅礴瑰麗的史篇？這些都是沙弗蘭進行了二次創作的成果。但是，大家不妨想一想，其背後付出了多少汗水、多少深思、多少孤獨！

其實做人處世也是一樣，該鐵畫銀鉤、抑揚頓挫時就鐵畫銀鉤、抑揚頓挫，該輕盈圓潤、婉轉抒情就輕盈圓潤、婉轉抒情。如同追求藝術的完美，我們追求的更在於平靜與激情，真實地體會生活加於我們的歡樂與悲傷，以及探索之路中的孤獨。

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