神前曉×田中秀和談動畫歌曲：神曲的創作方法

作者：怠心客

封面：《涼宮春日的憂鬱》

吉他錄音雜誌《Sound Designer》 2017 年 9 月號刊登「『動畫歌曲作曲術』最前線」特輯，以 30 頁的篇幅，刊登了神前曉、田中秀和、大石昌良、Tom-H@ck、藤永龍太郎、ヒゲドライバー等動畫歌曲創作者的訪談。Anitama 將陸續翻譯，與各位對動畫歌曲感興趣的讀者分享。

想必許多讀者都會想知道，融合了種種音樂風格的動畫歌曲，是怎樣製作出來的。MONACA 的神前曉和田中秀和兩位創作出眾多神曲的音樂人，將會從專業人士獨有的視角，講述動畫歌曲的製作。

神前曉：

原本就職於 Namco（現 Bandai Namco Studio），2005 年秋加入 MONACA。2006 年擔當音樂的 TV 動畫《涼宮春日的憂鬱》爆紅，之後發揮抓耳的旋律感，在配樂和動畫歌曲的作編曲、製作等多領域活動。擔當音樂的電影《煙花》在 8 月 18 日全日本東寶系影院上映。

代表作：

• 《涼宮春日的憂鬱》《幸運星》《物語》系列等動畫、遊戲配樂
• 《涼宮春日的憂鬱》動畫插曲《God knows…》《Lost my music》、OP《Super Driver》等
• 《幸運星》動畫 OP 《もってけ!セーラーふく》等
• 《物語》系列動畫 OP 《戀愛サーキュレーション》《sugar sweet nightmare》《白金ディスコ》等

田中秀和

經由擔任神前曉的助手，在 2010 年加入 MONACA。以歌曲為中心，廣泛進行樂曲製作，過耳難忘的旋律和基於豐富感性的和聲感是最大的魅力。參與了《偶像活動！》系列和《偶像大師 灰姑娘》等眾多暢銷作品的音樂。將於今年 10 月開始播出的 TV 動畫《Wake Up, Girls! 新章》的 OP 主題歌《7 Senses》也是由他擔任作編曲。

代表作：

• 作為 MONACA 的一員參與《迷糊餐廳》《偶像活動！》《偶像大師 灰姑娘》等動畫、遊戲配樂
• 《潛行吧！奈亞子》動畫 OP 《太陽曰く燃えよカオス》《戀は渾沌の隷也》
• 《偶像大師 灰姑娘》動畫 OP 《Star!!》等
• 《物語》系列第二季動畫 ED 《snowdrop》

首先，從動畫歌曲創作者的視角來看，動畫歌曲的魅力和特徵在哪裡呢？神前說，動畫歌曲是「為作品而生的音樂」。比如說動畫的片頭曲，配合著 89 秒的影像，那種和影像合而為一時的爆發力，就是其魅力所在。

但是，要從音樂的角度來說動畫歌曲的特徵，卻意外地會有難度。田中指出，動畫歌曲融合了種種的音樂風格，構成往往非常複雜，同時節奏也會很快。但是從某種角度上來講，日本的偶像歌曲也有著相同的要素。

總而言之，動畫歌曲中，往往富有種種「花招」。為了在短短 89 秒里，儘可能地吸引聽眾，動畫歌曲下了十足的工夫。

當然，J-POP 也會使出許多「花招」，來吸引聽眾聽歌。但是動畫歌曲的「花招」，卻往往是更單純的、音軌製作上的巧思。動畫歌曲的伴奏往往非常花費苦心，聲音的量也非比尋常。這不是說 J-POP 不重視伴奏，而是比例上的問題。J-POP 在創作構思時，「歌」是主體；而動畫歌曲相反，「動畫作品」才是主體。比起賣歌，動畫歌曲要表達的，是作品的世界觀。神前曉認為，動畫歌曲，是歌和伴奏兩方面都重視動畫的方向創作出來，通過二者的相乘表現出的音樂。

另外，動畫歌曲有一個雷打不動的「89秒」限制，可以說是其一大原則。神前自己會在最終階段調整前奏的長度，所以並沒有感受到什麼限制。倒不如說對他來說，89 秒已經嫌長了。如果沒有前置副歌，普通地寫一遍主副歌，差不多隻要 70 秒左右。

而田中則和神前相反，感到 89 秒對自己的限制很大。他普通地寫一遍主副歌，就已經會超過 89 秒了。如果是寫完「兩遍主副歌→間奏→最後一遍副歌」的完整版，往往會寫成非常長的一首歌。但是反過來說，之所以剛才說的這種完整結構會成立，也正是因為一遍主副歌被限制在了 89 秒。他認為，「89秒」不僅限定了動畫中使用的短版主題歌的長度，實際上也規定了歌曲完整版的展開。

接下來，兩位音樂人分別講述了自己創作歌曲的方法。

神前基本上是以鍵盤作曲，一般用的是 Studio Logic Numa Compact，或者比較認真的時候會用河合的數字鋼琴。他一邊彈鍵盤，一邊用 Steinberg CUBASE 軟體錄錄音。在信手彈奏的過程中確定下節奏感和和弦感之後，再趕緊把伴奏也寫出來。思考旋律的過程中，編曲有大概三成也已經想好了。

雖然神前不會自己唱樣歌，但是在彈伴奏的同時，他也會自己唱歌。畢竟是歌曲的旋律，不自己唱，是想不出來的。順帶一提，他寫伴奏的時候，基本上用的是四大件，使用的是下列的音源：

• 鼓：Yellow Matter Entertainment Steven Slate Drum 4
• 貝斯：IK Multimedia MODO BASS
• 吉他：MusicLab RealGuitar 系列
• 鋼琴：Synthogy Ivory

而田中則是在 MIDI 鍵盤上用 Ivory 音源彈著，用打草稿的感覺，在 Apple Logic Pro X 上錄音。這個時候，他也會像是自彈自唱一樣橫著構思歌曲。除了鍵盤之外，他有時候也會彈著吉他，從一個類似吉他連復段的點子出發作曲。

田中的常用音源，是如下幾個：

• 鼓：FXpansion BFD3
• 貝斯：Native Instruments KOMPLETE 套件中的 SCARBEE 系列
• 吉他：MusicLab RealGuitar 系列
• 鋼琴：Synthogy Ivory

雖然作曲的時候會用上吉他，但是田中並不會在作品中自己演奏吉他，而是先用 MIDI 寫出來，最後請專業的吉他手來重新錄音。在寫伴奏的時候，他會把細緻的調音都用 MIDI 寫出來。因為使用的是 MIDI，所以等接下來寫樂譜的時候也可以省下不少功夫。

說到吉他，對於動畫歌曲中吉他的使用方法，兩位音樂人也發表了自己的看法。

田中說，從「像動畫歌曲的吉他」的觀點來說，有幾種固定的使用方法，比如說在前奏和間奏中，和合成器 SuperSaw 音色打底相呼應的吉他樂句；或者是副歌里用上雙倍的偏向強力和弦的低重心吉他音，填充起整個伴奏等。但是，田中自己是儘可能不想使用這些「像動畫歌曲的吉他」的。

神前戲稱田中的這種想法是「叛逆期」。但他自己其實也是一樣，對田中所說的那些主流的用法沒有多少興趣。但是話雖如此，把握住那些常套的要點還是很重要的。在遵守這些要點的同時，要怎樣再另闢蹊徑，就是關鍵。神前說，他認為，吉他的魅力在於「帥氣」。但是他不覺得刻意為之就能裝出帥來，反倒是稍微不走平常路一點，更能讓他感到帥氣。

田中也說，他在動畫歌曲里使用吉他時，比起用失真的很「燃」的音色，用得更多的是清音的切弦。另外，雖然吉他這種樂器很容易就可以讓六根弦同時發聲，但是他有時不會這麼做，而是會讓吉他手同時撥響根音、9 度和 3 度或者 7 度。

神前說，吉他在音樂中的魅力，在於能支撐起空間的和弦感。即使吉他在配樂中不顯山露水，也會有一種不知道為什麼反正沒有它就是不行的聲像感。

田中補充說，吉他這種樂器，就算是沒有音調的雜訊一樣的要素，也可以聽出十足的音樂感。所以當他請職業吉他手演奏伴奏時，比起按著譜子彈得乾乾淨淨的，更希望對方能把移品時產生的雜訊之類也作為音樂的一部分，所以他經常會採用保留了粗放感的吉他錄音。

說起吉他，神前還指出，在電腦上設想了合奏效果寫出吉他小樣之後，等到了錄音室開始用真吉他錄音之後，有時就會感到自己寫得「過多了」。田中對此深有同感。他說，可能是因為電腦里的數字合成音總是缺乏說服力，寫起來難免會塞得過滿。所以，當把各部分替換成真實樂器錄音時，就會覺得「不用加這麼多吉他也行吧」。

所以神前認為，吉他部分，可以說是在正式錄音的時候，和吉他手一起完成編曲的感覺。說極端一點，弦樂和管樂之類的錄音，只要樂譜寫得夠認真，就算自己不親臨錄音現場，也可以錄製出很好的演奏。但是唯獨吉他，卻必須有編曲家在現場。

說起動畫歌曲，必不可少的就是其「抓耳」的特性。神前和田中兩位都曾經寫出過不少抓耳的歌曲，這些歌曲的「抓耳」魅力都是怎樣孕育出來的呢？

神前說，他自己也經常思考這個問題。他感覺，一首歌夠不夠抓耳，取決於創作者有沒有掌控好歌曲在「套路」和「不走尋常路」之間的比例。比如說旋律，如果循規蹈矩地作曲，其實並沒有那麼難。但是，那些出人意料的、奇想天開的旋律，光靠理論是很難寫出來的。

所以，神前自己剛開始寫一首歌的時候，首先要完全放飛自我，隨心彈奏鍵盤，好彈出不尋常的聲音來。雖然彈奏出的往往都是些泯然眾人的旋律，但偶爾也會有一瞬間出現驚人的東西。但是，如果只靠這一段靈光乍現，就會寫得太荒唐。所以他要用客觀的視角來調理這段旋律，判斷「這樣太難以讓人接受」「太無聊了」。如果一開始切入的方法就不夠有力，那麼不管寫多久都只能寫出千篇一律的歌曲。

這麼說，可能會讓人誤會只有一開始的靈感是最重要的。實際上，打磨的方法也是關鍵。為此，神前寫出一首歌之後，有時會先睡一晚，等到第二天再重新聽起。這是為了能夠適度地忘掉自己寫出來的曲子。忘掉了的自己，視角就比較可觀了。這時候如果還能感受到驚異之處，就要好好打磨這裡，讓它更加煥發光彩；如果覺得「這裡太噁心了」，就要把這個地方重新寫過。這不是技巧或者訣竅，要說的話，只是一種手法而已。

田中聽了這番話，深受感動，表示自己受教不少。他說，自己越是投入創作，旋律就會變得奇形怪狀。其實他也想要學習神前，調理旋律，寫出更容易入耳的歌曲。

神前則反過來誇獎說，正因如此，田中才能寫出從好的意義上非常複雜的歌曲。像《偶像大師 灰姑娘》動畫插曲《Ｍ@gic☆》之類，那種旋律如果是在鍵盤上信手亂彈就能彈出來的，那可是變態了！聽田中剛才的這番話，那些旋律都是他精心構築出來的，也讓神前感到可以接受了。

田中也稱讚說，神前的厲害之處，在於他的歌曲明明也都一切是「設計」出來的，但聽起來卻完全是妙手天成，沒有絲毫雕琢痕迹，聽者只會覺得非常自然。他之所以會知道神前的作品、對他心生崇敬、走上今天的道路，也正是這個原因。

還有，神前寫出的「在配樂里放上這樣的旋律聽起來肯定會很舒服」的旋律，可以原封不動地再拿到歌曲里，這也是神前的強項。例如《化物語》中的《staple stable》，就正是這一類型的歌曲。

又比如說《人魚又上鉤》主題歌《七つの海よりキミの海》，明明很抓耳，卻非常地複雜，田中稱其為凝縮了神前的魅力的一曲。況且，不光是田中這樣的職業音樂人會這麼想，這些歌曲的設計，還可以讓一般聽眾也感受到「這歌厲害了！」。在這種「設計」出來的歌曲上，神前可以說是獨一無二。

面對後輩熱情洋溢的讚美，神前也列舉了一首希望各位讀者聽聽看的田中作品，那就是《Anne Happy?》的主題歌《PUNCH☆MIND☆HAPPINESS》。雖然這首歌曲用了許多奇怪的增三和弦，但是寫這首歌時的田中，一直都是在進行種種挑戰。這種從技術挑戰中誕生的不合常規的和弦用法，與動畫自身的內容結合得很好，而且也保持了流行性，這種平衡可以說非常完美，給神前也留下了深刻的印象：之前一直在做些怪事的田中，終於升華到這種境界了嗎。

最後，兩位音樂人也向有志於像他們一樣創作動畫歌曲的讀者給出了寶貴的建議。

神前說，希望大家大量地 copy 已有的歌曲，不限於他們自己的歌曲或者是動畫歌曲，從大量的歌曲中掌握基礎的路數。不光是自己用耳朵扒譜，購買官方的樂隊樂譜。一邊看「答案」一邊錄入到電腦里進行研究也沒問題。他自己也經常一邊聽歌，一邊看著樂隊樂譜，分析「原來這首歌的這個部分是這樣的」。因為樂譜就是這樣有莫大幫助的「教科書」。

田中則補充說，在徹底 copy 喜歡的歌曲的同時，打磨感受到「我是被這個地方打動的」的感覺也非常重要。另外，還要把自己寫出來的歌拿出來給別人聽。就算你自己覺得沒有自信能昂首挺胸讓別人聽自己的作品，但是別人可以給你客觀的意義，如果得到誇獎還可以提升動力。田中說，保持一顆在乎聽自己的歌的人的心，至關重要。

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