淺談歐洲古典油畫技術美的文化形式因素

古典油畫技法始自公元14世紀，主要指歐洲15、16世紀尼德蘭和義大利的油畫技法[1]。技術是人類在利用和改造自然過程中形成的經驗、知識和技能[2]。在古典油畫中，技術指其材料、形式和精神等因素。技術美指技術領域裡存在的美，是美的本質的直接展現。油畫技術美的形式是指作品的造型、色彩、素描等技術手段和審美價值。

古典油畫寫實造型體系的技術美

西方油畫自文藝復興時期開始承襲古希臘的寫實美學傳統，並結合自然科學建立起透視解剖、明暗法則、色彩規律等寫實技法理論，我們謂之「西方寫實油畫」。

其實寫實油畫並不僅僅是對事物作表象上的再現，而是在展現畫家對寫實語言與描繪對象的理解，是一種思維方式，只有運用這種思維方式才能真正地做好寫實，畫出「實」的內容和「實」的情趣。同時，這也是一種整體的思維方式，是藝術家明確的藝術追求與科學理解、切實感受的渾然統一，它不僅包含了比例、空間、構成等要素，還有最重要的、貫穿於藝術家整個生命的精神格調，它是一種思想和信念，是從嚴謹的科學性出發並高於其上的，對科學性的理解。所以傑作是高尚的精神格調和卓越的藝術技巧的統一體。

對於寫實，每個人都有自己的認識，但是「實」不僅僅等於「細」，細有頭，而實無限，而且表象上的實也要和精神上的實結合地恰到好處。歷代大師很多都採用寫實手法，但是他們各有自己表達「實」的方式，並形成完美的風格。比如倫勃朗的思想情感就不能用達·芬奇的「實」來表現，卡拉瓦喬的氣質就不能以提香的「實」來代替。所以精神和技巧是要渾然一體的，否則畫面就會不協調，失去整體的藝術效果。

古典油畫以「實」的具體面貌出現，但畫面中的整體結構如色塊比例、黑白分布等抽象因素都被巧妙地隱藏了，而這些，正是古典繪畫深厚傳統的精華，也是決定古典油畫完整性的重要部分，需要我們特別地加以關注和研究。

古典油畫明暗素描體系的技術美

西方古典寫實油畫的特徵之一是講究明暗調子，藉此在二維平面上顯示物體的三維立體感。西歐中世紀繪畫的明暗表現不太成熟。明暗法在文藝復興盛期才達到成熟，達·芬奇對此起了十分重要的作用，他認為既然客觀世界中的物體受光照以明暗方式顯現形象，那麼繪畫也應以明暗表現為主，他使用圓球體受光變化的原理，首創明暗漸進法，即物體上由明到暗的過渡是連續漸變的，沒有截然的分界。

明暗畫法既包括通過描繪客觀事物的光影關係和固有色深淺，來表現體積感和質感，也包括主觀處理的黑白關係，如卡拉瓦喬是畫面明暗處理卓越的大師，他作品中的明暗不僅體現了客觀的光影關係，而且很好地形成了畫面的幾何構成，將偶然的光照效果與必然的畫面構成完美結合，表達了形體和結構；而且，他常通過光影關係對細節作概括處理，讓細部隱藏起來，因為瑣碎的細節會削弱畫面的整體感。因此明暗畫法是一種重要的素描能力，它使畫家通過刻畫適度的明暗關係來解決表現明度、質感、畫面結構等問題，所以凡是明暗素描基礎紮實的畫家都能自如地把握形體，並使色彩表現適度到位，較好地達到寫實描繪的目的。

古典油畫固有色體系的技術美

固有色，是指一個物體不同於另一個物體的特有色彩，即一個物體在完全脫離其環境影響下的色彩。在繪畫實踐中，固有色是指畫家描繪時僅注重對象色彩的明暗深淺變化，而忽視環境色彩對所繪事物色彩影響的畫法。嚴格地說，在19世紀60年代法國印象派產生之前的油畫色彩都屬於固有色體系，如中世紀的畫家用固有色作畫，而且因為尚未掌握透視法則和明暗規律，畫面形象是平面化的；14世紀義大利畫家喬托開始把寫實風格和明暗遠近法結合起來，邁出了寫實繪畫的關鍵性一步；16世紀的達·芬奇以獨特的明暗畫法創造了二維畫面上的立體感。但是在認識色彩方面，他們多少都把暗部理解為僅僅是光線變暗而不存在色彩，即暗部色彩是亮部色彩的簡單變深。

其實，古典寫實油畫的固有色體系與之描繪技法密不可分，當時的主要技法是透明罩染技法，就是先畫單色素描，然後在其上層層罩染，即採用透明單色多次薄塗，通過顏色的重疊得到複色，表現了單純、飽和的物體固有色彩；而印象派畫家則是直接調和多種顏料，並以小色點的交織來得到複色，捕捉和表現豐富多變的條件色彩。就技術性而言，採用罩色媒介與透明純色的技法稱為「間接畫法」，作畫程序複雜、速度緩慢，但穩定性好，歷經幾百年色彩依然如新；而調和並置色彩的畫法稱為「直接畫法」，作畫簡便，可以暢快地表達畫家的即時情感，但使用此法不慎容易造成顏料之間的化學反應等不良後果，有些作品未經百年就已變色龜裂，損壞嚴重。

綜上所述，古典油畫歷經數百年的傳承，在造型、素描和色彩等方面形成了成熟的體系，其再現真實的表現力是其他材料技法所無法企及的，是世界美術的重要組成部分。在當今科技進步、攝影技術高度發達的圖像時代，人們反而更加註重手工操作能力而越來越親睞古典寫實風格的油畫，所以它也越來越成為精英藝術而長盛不衰。

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