做衣服的電影拿了做衣服的獎，沒毛病
對於一年一度的奧斯卡
我可以不知道誰是最佳男女主角、最佳電影
但最佳服裝設計是必須關注的：
2017年的《神奇動物在哪裡》
2016年的《瘋狂的麥克斯4》
2015年的《布達佩斯大飯店》
2014年的《了不起的蓋茨比》
……
它們無一例外都是靠劇中精美的服裝，絕美的色彩或對歷史的高度還原而得獎
今年
歷來要求嚴格的各路媒體
對於這個獎項給出的評語
達到了難得的一致
那就是毫無懸念
實至名歸的花落《霓裳縫匠》
一部講述高級定製服裝設計師的電影
這次入圍了五部電影
我最意猶未盡的便是這部
沒有燈火輝煌的大場面
沒有華麗的特效渲染
也沒有九曲十八轉的磨人劇情
有的只是那一針一線細細打磨的工匠心
身為設計師，我希望用我對這部電影的理解和感受，從時裝設計的角度給你們分享一下我對這部電影的體會。
20世紀50年代是服裝史上最經典、優雅的時代。第二次世界大戰結束後，西方服裝不再像戰前「男軍裝，女工裝」的單一裝扮。在社會變化和一批設計師的努力下，創造了50年代西方高級時裝的輝煌，成為永遠的經典，載入了時裝的史冊，也使高級時裝業的發展達到了劃時代的高峰。
作為身份和階級的象徵，高級定製服裝在那個年代還只屬於倫敦巴黎皇室貴族和上流社會的生活範疇，雍容華貴、光彩奪目，而設計師（那個時代叫裁縫）卻只是個在背後默默付出的磨人職業。
影片開頭毫無時尚圈的聲色犬馬，紡織工匠Woodcock起床後刮鬍子、剪鼻毛、梳頭、擦皮鞋，時刻展現出優雅的紳士風度。他終日沉迷、著魔於紡織工作，不顧任何，哪怕是身邊最親的人。
Woodcock和姐姐近乎偏執的為戰後倫敦的社交名媛和外國公主們製作出極致優雅，但看起來並不舒適的華服。他們一邊按照客戶的需求設計衣服，一邊心裡又有些失落。
讓上流社會的女人趨之若鶩的男主角，卻無心這些女人。他的繆斯卻是一個在這些女人眼裡粗俗又不溫順的女人。脖子細，有小肚子，沒有胸，胳膊粗，骨頭大的鄉下女人。
也許是這個女人的缺點太多，可供他創造改變的空間足夠大，也許是因為這個女人有著難以馴服的個性，也許是這個女人是站的最久的一個，也許是自己設計的衣服終於找到了合適的人……她成了設計不竭的來源，讓每一個設計靈感都有了主宰的靈魂。
她享受華美服裝帶來的衝擊，卻擋不住內心的寂寞，壓不住內心對相夫教子生活的嚮往。
這個女人必然很不討喜，但她所做的一切彷彿不是出於心計，而是某種對愛與控制的直覺，而這個直覺讓她對男主角的作品永遠尊重，永遠虔誠，最後女主角征服了男主角成為了女主人！
每一個設計師心裡都有一個既定不變的人是他衣服永遠不變的主人，一個敢設計，一個敢穿。
弱化的戲劇衝突，簡單的人際關係，卻掩不掉本片的偉大氣質。電影能獲得奧斯卡服裝設計獎，不止在於影片中服裝的華麗，更多的是服裝反映了當時歷史環境。
當你看這部電影中的服裝時，就像站在博物館中，欣賞那些古典主義油畫，沒有張揚的色彩，但卻能感受到對心靈的撞擊，這也許正是服裝的力量和沉澱。
而服裝設計師Woodcock對於服裝色彩，面料，款式等元素的精準把控，給我呈現的不僅是華服盛宴，更多的是一個服裝設計師的工匠精神。
在這部電影中，工匠精神的核心是服裝，優雅、奢華、性感是畫面中最核心的。對貴族生活不知疲倦的追求是一種潛能，追求時尚是一種社會進步的動力。
人類無窮無盡的慾望推動新鮮事物的不斷產生，新鮮事物在每個時期都影響至深，卻又瞬間流逝。服裝對人們而言更多的是滿足無窮無盡的慾望，渴望展現自己內涵、個性，渴望表現自我發掘新事物的能力，這也體現在劇Woodcock客戶們的身上。
如果視覺藝術能創造時尚的經典，文化一定是這一切的靈魂，是賦予設計師個性風格的基礎。
從科技和技術發展的角度看，服裝業沒有IT、航天、信息技術這麼前沿。但從達到廣泛的文化認同以及快速文化擴張和普及的目的來看，服裝業則是最重要和最根本的符號，是一個人類通往強盛不可逾越的里程碑。
文化是服裝設計內涵最本質的表現，沒有文化的設計是空洞的，只能是單純的工業經驗形態構成的東西，作品無法出現現代感與前衛性，也無法做出令人有感嘆及產生共鳴的設計。
文化使設計師的衣服有了靈魂，如果沒有靈魂，所有表達都是空洞的。所以，擁有文化涵養的設計，才能帶來設計的自信和作品的生命。
文化是設計師的設計意識與思索最核心、最關鍵、最有價值、最具有號召力的資源。潮流是文化的趨勢，前衛是文化的前瞻，審美用文化來理解，色彩用文化來定義，款式用文化來詮釋，搭配用文化來組合。
各種裝飾、面料、色彩、線點、肌理、輪廓是只是存在文化基礎上，一種更直觀、更具有視覺化形態來表現......
在當代這樣追求個性與質感的「定製時代」
《霓裳縫匠》
區別於以往的
最佳服裝設計獎
展現了一位服裝設計師
挑剔、自我和堅守的特點
難道不是為我們的精神世界
「量體定製」的
一部心靈文化之旅嗎
......
一個喜歡設計連衣裙的小裁縫
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