法蘭西繪畫之父：尼古拉斯·普桑作品選粹
尼古拉斯·普桑（Nicolas Poussin ，1594－1665年)，是17世紀法國巴洛克時期重要畫家，也是17世紀法國古典主義繪畫的奠基人。
他崇尚文藝復興大師拉斐爾、提香，醉心於希臘、羅馬文化遺產的研究。普桑的作品大多取材於神話、歷史和宗教故事。
畫幅雖然不大，但是精雕細琢，力求嚴格的素描和完美的構圖，人物造型莊重典雅，富於雕塑感；作品構思嚴肅而富於哲理性，具有穩定靜穆和崇高的藝術特色，他的畫冷峻中含有深情，可以窺視到畫家冷靜的思考。
普桑出生在法國西部一個退役軍人家庭，家境貧寒，少年時代曾到巴黎學畫。1630年普桑來到羅馬，從此徹底改變了他的生活與藝術道路。
他不僅認真研究古希臘和羅馬的藝術遺產，而且義大利文藝復興大師們的思想、理論和作品給予他很大啟發，逐漸形成了他的古典畫風。
普桑將古典的形式美法則運用到創作中，追求畫面的統一、和諧、莊重、典雅和完美。他始終不渝地堅持古典主義立場，反感巴洛克風格。
普桑的人物造型按照希臘、羅馬雕刻形象來塑造，因此他畫的人物從不來自實際生活。他所作的一系列具有「崇高風格」題材的作品令人肅然起敬。
1640年，普桑應召回到巴黎，為路易十三畫了許多裝飾宮廷的繪畫，但他感覺自己失去了藝術上的創作自由，並招致大臣和宮廷畫師們的嫉恨，1642年他終於又回到羅馬。
普桑的藝術生涯幾乎都在義大利度過，他在羅馬完成了許多重要作品。普桑雖然在藝術上繼承了古典主義和文藝復興藝術的傳統，但並沒有師古不化，他仍然是一位頗有獨創性的畫家。
普桑的著名作品《阿卡迪亞的牧人》也是在羅馬完成的。這幅作品是典型的哲理性繪畫，圍繞著一個人生的哲理問題以及非現實的牧歌式悲涼情調，普桑在呼喚人類的良知。
《阿卡迪亞的牧人》
這幅著名的《阿卡迪亞的牧人》含義較晦澀，一直是美術史上莫測高深的難解作品。「阿卡迪亞」，即古代傳說中一個世外桃源式的「樂土」。
畫上展現一塊寧靜的曠野之地，和煦的陽光照在僅有幾棵荒疏林木的墓地前；背景是一片明凈的藍天。四個牧人，頭戴花冠，各拿牧杖，正圍在一塊墓碑前在研讀著銘文。
一個連腮鬍鬚的牧人跪著讀出碑上銘文，並回過頭來向右側的一個女牧人說著什麼，石上的拉丁銘文是：「即使在阿卡迪亞也有我。」
據美術史家的解釋，這裡的「我」，是指「死神」。銘文的意思似乎是說：「在美好的樂土裡，死也是不可避免的。」
顯然，這是一種「風光雖好，人生苦短」的感嘆。我們從左側一個伏在墓頂上的牧人的表情看，他低著頭，似有緬懷之情，與左邊站立著的女牧人形成對比。
女牧人的形象據說是美好人生的象徵。她雖含頜垂首，默默傾聽著銘文，卻給人以一種撫慰感。疑慮與撫慰，惆悵與哀思，圍繞著一個人生的哲理問題，讓人緊緊思索。
這種非現實的牧歌式悲涼情調，在一定程度上，表露了畫家當時的處境與對藝術的憧憬。
《台階上的聖母》
此畫作於1638～1639年(一說1636年)，現藏巴黎盧浮宮。畫家普桑將這個家庭中的兩個中心人物聖母瑪麗亞和聖子耶穌放在畫面的中央，左側的聖安娜（瑪麗亞之母）、小約翰和右側的約瑟（耶穌之父）以陪襯的姿勢依附著聖母、聖子。
這五個人組成了一個穩定的金字塔造型。出於一種構圖的思考，畫家普桑關注的是作品《台階上的神聖家庭》的規範性：穩定的三角形構圖，聖母的紅衣藍裙、聖安娜的黃袍，右側約瑟的黑色法衣，這些色彩上的鮮明對比，具有一種莊嚴的審美價值。
聖母、聖子的頭部不僅處於這個金字塔的頂端，而且在五個人中，只有這母子倆的面部是正面和完全被陽光照射著的。
相比之下，耶穌又比瑪麗亞更引人注目，顯得更具中心意義，這不僅因為他赤裸的身體完全被陽光照亮，而且因為他的頭部被背後映照著藍天的一個門框強化了，這個門框表明這個金字塔的頂尖在耶穌的頭頂。
這幅畫有一股上升的力量，這力量來自反覆出現的垂直線，以及連續的水平石階的巧妙安排，畫面盤旋而上，直到我們的眼睛停在欄杆和石柱上，最後到無限綿延的柱廊和一望無際的天空。
聖家族顯然並非坐在真實建築物的台階上，這是個較為理想化但不對稱的建築物入口。這世界的壯麗也不對稱，只有聖家族完美的平衡擁有純然理性之美。
作品通過對畫面語言的嚴密組織，普桑將一個不容置疑的宗教秩序展現給我們，並且在我們心中激發起對聖母聖子的無限敬仰之情。
《隨著時間之神的音樂起舞》
《劫掠薩賓女人》
《格瑪尼庫斯之死》，是普桑受巴貝利尼紅衣主教委託創作的，該繪畫被譽為他最著名、最受尊敬的作品之一。
活躍於英國的瑞士畫家亨利·弗斯利1798年這樣寫道：「即便普桑沒有創作其他繪畫，憑藉這一幅作品他大概可以獲得不朽名聲。」
該繪畫是普桑描繪古典、古代崇高的悲劇性歷史場面的第一幅作品，此後這成為畫家擅長的主題。
普桑在該繪畫中不僅描繪出格瑪尼庫斯被害瀕死之際表現出的尊嚴，還歌頌了忠實的部下哀悼主人的死亡，並發誓報仇的真摯友愛。
END
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