遠看山有色，近聽水無聲.春去花還在，人來鳥不驚
「琴棋書畫」被稱為文人「四藝」，最早見於宋代。北宋詞人孫光憲有一部記載唐代政壇、文壇的筆記叫做《北夢瑣言》，其中有：「唐高測，彭州人。聰明博識，文翰縱橫。至於天文曆數，琴棋書畫，長笛胡琴，率梁朝朱異之流」這樣一段文字。可見，「琴棋書畫」歷來都是中國文人雅士的必備技能，在今天，這個詞依然用來形容一個人文化修養的高深。
煙花易冷
我是歌手第一季 第6期
林志炫
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按照數學排列組合計算，四個字不同的排序方法共有24種。
那麼，「琴棋書畫」也會有24種排列，可為什麼會是這樣的順序？而不是如「書棋琴畫」或者「畫琴書棋」另外23種呢？
《易經》有「形而上者謂之道，形而下者謂之器」的說法。
啥意思呢？簡單講就是，「無形為道，有形為器」，形而上是指抽象的、無形的事物，形而下則是具象的、可以感知的事物。中學政治就講過「形而上學」，馬克思把它當做辯證法的對立面，其實更準確的定義，形而上學是哲學上的一個分支，是對客觀之外事物的研究（或者叫猜測），玄學也是一種形而上學，隨著現代科學的進步，形而上學逐漸走向了衰落。
但在古代，對世界的解釋更多的是基於想像和猜測，「道」是虛的，「器」是實的，中國的哲學認為「道」高於「器」，就是說更喜歡「玩虛的」，老子說「大道無形」，孔子說「君子不器」，雖不是說大家都應該玩虛的，但表達了一定的高下之別。
說了這麼多，和「琴棋書畫」排序有什麼關係？我們來仔細看一下這幾個字，正是從抽象到具象的排列順序，音樂是最無形的藝術，而畫則是相對具象的（不要跟我說還有抽象畫），難道是說「畫」的層次低於「琴」么？我覺得，藝術或者技藝其實並無高下之分，我更傾向於認為，抽象的藝術所承載的內涵和情感會更為豐富含蓄，而具象的藝術所表達的信息更加直接明確而已。
西班牙阿爾塔米拉洞窟岩畫
三萬年前的古人用繪畫記錄著自己的狩獵生活，今天蹣跚學步的孩子就可以用塗鴉表達對世界的認識，繪畫是人類最初級、最原始的本能，它伴隨著人類文明的成長，並記載著人類文化的發展足跡。
塗鴉的小傢伙
繪畫作為美術的重要分支，在東西方不同的文明道路上，演變出完全不同的風格，但它們始終存在著一個最樸素的評價標準，就是「像與不像」，相比西方傳統繪畫注重造型、透視、素描和明暗關係的寫實風格，中國畫聚焦於墨色和線條的變化，所以一向有「書畫同源」的說法，更注重繪畫的意境，強調「似與不似之間」，「寫意畫」從字面看就是寫實的對比，說白了就是「不像」，即使是崇尚寫實的工筆畫，也不是單純對實物實景的再現。
一般來講中國畫起源於漢魏，經歷過幾個階段，類似唐詩宋詞，曾經很早某個時代就達到了它們的巔峰，伴隨宗教的興盛，從魏晉時期顧愷之到唐代的閻立本、吳道子，經歷了古代人物畫的巔峰，而後由於知識分子崇尚忘情山水、親近自然的隱士情懷和講究天人合一哲學思想，上至唐、五代，下至明、清，山水、花鳥繪畫各種流派紛呈，直到近代仍湧現出多位劃時代的大師。
多媒體《版清明上河圖》
如果問最有名的國畫是哪一件？也許大部分人馬上會想到《清明上河圖》，這幅北宋畫家張擇端創作的國畫長卷是故宮的館藏國寶，是中國十大傳世名畫之一，而2010年上海世博會中國館的「鎮館之寶」，則是由這幅精品運用現代科技手段，進行再創作的「動態版清明上河圖」，新作帶給人別樣的衝擊，卻仍是原汁原味的國畫的感受，並沒有絲毫的違和感。
《清明上河圖》嚴格講是一幅工筆「界畫」，「界畫」是什麼？就是用「界尺」做輔助工具畫直線的一種方法，此「界尺」非彼「戒尺」，不是學生不聽話，先生用來打板子的那種。
清院版《清明上河圖》不免有些匠氣
毛筆柔軟，不容易畫直線，尤其遇到亭台樓閣等建築物題材時，需要大量筆直均勻的線條，於是就有了界尺大顯身手，但是界畫描繪對象多為帝王氣勢恢弘的宮苑殿宇，很多作品不免出現歌功頌德、庸俗匠氣的特徵，與中國文人的氣質和追求似與不似之間的審美傾向相悖，被後世很多人認為難登大雅之堂，終於日漸式微。
常言道，「文無第一、武無第二」，藝術的創作和評判因人而異，因時不同，尤其對於繪畫這種藝術，有人認為「像」就是層次低，認為「像」就不是藝術，可是，我們不應該如此簡單下結論，因為抽象和具象始終同時伴隨著人類的藝術發展歷史，傳世公認的成就最高的經典藝術作品，也並不是以「像不像」作為評判標準的。
齊白石《蓮蓬蜻蜓圖》
齊白石有一句話，「作畫妙在似與不似之間，太似為媚俗，不似為欺世。」可是大家看他老人家的《蓮蓬蜻蜓圖》，蓮蓬形態非常抽象，蜻蜓幾近標本圖譜，難道是說畫里要一半抽象，一半具象？當然不是，藝術作品是創作者通過一定的手段，將事物或者意識創造出來，形成可以體驗的對象，作品不僅具有相應的客觀結構和形象，還包含著作者非常主觀的意念和情緒，所以對於藝術作品，既要欣賞其符合審美的規律，又要體會創作者希望傳達給我們的信息。
張擇端《清明上河圖》局部
5米多長的《清明上河圖》描繪了北宋都城汴京繁榮的生活景象，規模宏大，構圖精妙考究，筆墨章法，細緻入微。汴河兩岸，多達800餘人，80餘匹牲畜，眾多船隻車輛，士農工商各色人等，來往穿梭，形神兼備，栩栩如生，充滿著生活的氣息。這時我們才會意識到，只有繪畫這種最具象的藝術，才能傳遞給我們準確直觀的信息。
同為十大名畫之一的《富春山居圖》，如果不是因為這部眾多明星出演的電影，恐怕遠不如清明上河圖有名，當然再多的明星登場，也不能挽回一部爛片的評價，再爛的影片，也無法掩蓋一幅名畫的光芒。
《富春山居圖》也許是最為命運多舛的名畫了，元代著名畫家黃公望，中年時被人誣陷連累入獄，五十歲出獄後，看破紅塵，寄情山水，才開始學習山水畫，富春山居圖是他八十歲時，花了四年時間才完成的傳世巨作，這幅山水長卷，是水墨山水畫的經典，構圖深遠開闊，山林起伏層疊，水波煙霧飄渺，墨色乾濕兼用，淡雅溫潤，畫中只有寥寥幾人，或漁父一舟獨釣，或書生草亭掩卷，在元末的亂世中，如此靜謐的畫面，告訴人們，王朝的更替不過是過眼雲煙，只有山水才是永恆的存在。
《富春山居圖》之《剩山圖》
《富春山居圖》原畫幅面究竟多長，已經無法考據了，因為現在存世的是分開的兩段，
清順治時藏家吳洪裕甚愛此畫，臨終前要求焚毀殉葬，其侄從火中搶出，可惜畫已被燒為兩段，前段僅長50多公分，被稱為「剩山圖」，現藏於浙江省博物館，後段長達6米多，稱為「無用師卷」，現藏於台北故宮博物院。
《富春山居圖》之《無用師卷》
乾隆曾先後得到兩幅《無用師卷》，得到第一卷的時候展開一看，哇，真不錯，墨色蒼勁，肯定是真跡，於是題跋注釋；第二卷拿到手的時候，有些猶豫，不似俗工所為，看了又看，嗯，畫的雖不錯，但還是有些敗筆的，於是讓大臣編入《石渠寶笈》次等，還題寫了贗品的貶語，其實後來的才是真跡，過了50年，到了嘉慶時真跡才被正名。
這讓我想起大將軍樹的故事，有一年，漢武帝去嵩山嵩陽觀視察，進門一抬頭，好大一棵樹！從來都沒見過這麼大的樹，於是加封這棵樹大將軍，繼續往前走，過了兩進院子，迎面出現一棵更大的樹，比先前那棵大得多，好尷尬啊，不封稱號吧，好像不太合適，封吧，大將軍已經許出去了，金口玉言，沒辦法，這棵只好叫二將軍了。
故事當然只是笑話，其實古畫的鑒別相當有難度，遠不是區分大樹小樹那麼簡單，乾隆雖然是有一定水平的鑒賞家，也會被假貨蒙蔽，更重要的是皇帝老兒金口玉言，臣下肯定有看得出的，也不敢多嘴，否則真跡不會等乾隆去世後就得到平反。
經過海峽兩岸多年協商，2011年6月，歷經苦難的《富春山居圖》，手足分別了三百多年以後，終於在台北故宮合璧展出。
中國畫從題材可以分人物、山水、花鳥等，從形式上可以分條幅、捲軸、冊頁、扇面等，從風格技法上可以分寫意和工筆等手法，從色彩上可以分淡彩、青綠、金碧、淺絳等，是用毛筆在紙張或者絲織品的表面創作，如果拿西洋繪畫相比，效果最為接近的是水彩畫，都是以較為透明非覆蓋性顏料，利用水分的多少形成顏色濃淡變化，因為顏色透明，與油畫水粉畫相比，基本上是一次完成，不容易修改。
鄭板橋《墨竹》用墨色濃淡表達前後關係和霧氣
各種西方繪畫都極少直接使用黑色，即使需要很深的顏色，也大多採用其它色彩調配出來的，但黑色是中國畫的靈魂，除了墨，可以完全沒有其它色彩，水墨畫，是中國畫的最重要種類，甚至可以說是中國畫的代稱，墨分五色，墨即是色，僅利用墨色濃淡乾枯變化，在宣紙上的滲透交融，產生種種微妙細膩的變化，達到無色勝有色的效果。
郎世寧《金翅獫》
隨著外來文化的進入，中國畫也受到深遠的影響，義大利人郎世寧，在是清代宮廷畫家，在中國供職50餘年，以中國畫的材料和工具，運用西方繪畫原理和技法進行創作，形成了一種中西合璧前所未有的新寫實畫風，給人以絢麗、厚重接近油畫的感受。
張大千潑彩山水《桃源圖》
近現代最著名的國畫大師當數齊白石、徐悲鴻、張大千，他們和其他大師一道，都為國畫的變革、傳承和發展做出了不可磨滅的貢獻。然而時至今日，中國畫已經和其他相似的藝術一樣，遭遇了瓶頸，三十年多前，就有一位從事藝術的年輕人，警覺地提出中國畫幾乎到了「窮途末路」的境地，他認為中國畫隨著技法的不斷完善，繪畫審美卻在不斷萎縮，像中醫一樣，理論的薄弱嚴重製約了中國畫的發展，許多人希望藉助中西結合實現交融和突破，但往往流於形式，往好了說叫實驗，往差說就是醜陋的表演。
醜陋的所謂書法表演，繪畫也是同樣的環境
現實生活中寫字已經變得有些罕見，但偶爾簽名還是需要的，而繪畫這種曾經最根本的表達方式，除了職業之外，剩下的就是所謂修養，幾乎完全失去了實際的用途，中國畫，聽起來像是專門為退休的老年人打發時光準備的，而我們的生活，已經完全被手機佔領，再往後幾代的老年人，退休生活也將是用手機打發的。
獨角戲
經典薩克斯之丁香花
單藝
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