藝術大師們的Logo為什麼這樣潮？

「當藝術大師有了Logo」

（文章來源：鳳凰藝術）

當藝術家開始考慮樹立自己的個人品牌時，藝術與商業的關係似乎也更近了一步。2009年，徐震結束了個體藝術家身份，成立了「沒頂「公司，並以公司形式生產藝術，一時間成為藝術圈獨一無二的爭議人物。而「徐震?」不僅僅是版權的象徵，其背後也透露著獨一無二的藝術氣息。（小TIPS：?標誌里的R是REGISTER的縮寫，在我國商標法中有明確的規定，屬於註冊標記，也就是說「徐震」已然是被註冊的商品名，「徐震?」是一個獨一無二的商標。）

但你有沒有想過萊昂納多·達·芬奇（Leonardo Da Vinci）或薩爾瓦多·達利（Salvador Dali）等世界知名的藝術大師們生活在現代，當他們也擁有個人品牌時，會是怎樣的情境？以下是「鳳凰藝術」整合的編譯報道。

資深品牌設計師Milton Omena就將這一腦洞付諸於實踐，依照Milton的工作調性，這些藝術家無疑都會擁有屬於自己的「現代標誌」。其實，Milton是想藉助這一項工作挑戰自己的設計界限，踏出舒適區。

為了迎接這一項挑戰，Milton仔細研究繪畫風格、藝術家的個性、習慣和生活方式以及他們每個人最具代表性的作品和事件。

那麼，他的作品如何呢？讓我們往下看：

萊昂納多·達·芬奇

「我曾看到過這樣的風，它們肆虐在一起，在海邊的沙上造出了一個洞，足有人的高度那麼深，移走了體積壯碩的石塊，帶著沙與海藻飛過一英里的地方，到達海水中。」——達·芬奇

無疑，達·芬奇對於他所生活的那個時代是超前的，他的設計手稿即使到了今天也可以被稱為是「未來技術」。而擁有500年歷史的《萊斯特法典》其中包含了達芬奇72頁的跨學科思索，這位文藝復興時期的博學者，以藝術的方式思考——化石為什麼會形成、水怎樣流經空間以及為什麼月亮會發光這樣的問題。

令人驚奇的是《萊斯特法典》是倒著寫的，以免達·芬奇，這位左撇子天才弄髒墨水，直至1519年達·芬奇去世後，還是零散的紙張合集——儘管現在已被恢復成初始狀態。《萊斯特法典》創下了書籍拍賣最高紀錄：1994年，以3080萬的價格賣給了比爾·蓋茨。自那時起，蓋茨便將法典出借給博物館，從悉尼、到東京、再到都柏林——現在藏於明尼阿波利斯博物館中。

於是，Milton以此法典的構圖及色彩作為出發點，將達·芬奇極具標誌性的直升飛機設計草圖作為logo的主體。將這樣的logo印在筆記本上，是不是覺得很有學問？

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文森特·梵高

文森特·梵高，那個敏感細膩的藝術家，我們無法猜測那片藍得刺目的天空代表著他怎樣的情感狀態。當梵高在阿爾勒租下黃房子，並用色彩明艷的向日葵油畫將它裝飾起來時，獨特的筆觸和對光的追尋，映射出梵高心中還在做著烏托邦的美夢。

對於Milton來說，這樣獨特的筆觸無疑是一種極好的靈感來源。於是，象徵著梵高的線條和代表他人生夢想與絕望並存的藍色和黃色都同時作為元素出現在梵高logo上。

還別說，這樣的圖案設計很能勾起購買慾~

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克勞德·莫奈

作為印象主義的創始人之一，印象派主要畫家莫奈以其獨特的風格和標誌性的作品而聞名。為了捕捉轉瞬即逝的光影，莫奈經常選擇在風景如畫的花園中進行創作。垂柳是他作品的一大特色，除此之外還有時令鮮花和著名的睡蓮。莫奈從19世紀60年代開始便痴迷於收集日本畫家葛飾北齋和安藤廣重作品的印刷品，他命人在小溪上打造的拱橋便和這兩位畫家筆下的橋的形象極度相似。也成為莫奈作品中的經典元素。

Milton選取了莫奈1900年作品《橋·睡蓮》中的東方拱橋作logo元素，做成極簡風格，很有辨識度。用作餐廳的標誌，沒想到拱橋和菜單如此和諧。

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薩爾瓦多·達利

薩爾瓦多·達利是一位在多個領域都頗有建樹的藝術家。超現實主義是跟隨達利不變的標誌，同時達利也是首批將自己放在作品中的藝術家之一。

於是，Milton選擇達利極具代表性的作品「融化的時鐘」，這一另類的對時間的展示方法稱為達利的頗具代表性的象徵。

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巴勃羅·畢加索

「我的藝術創作中所使用的不同風格並非是一場進化，也不是什麼離繪畫的理想境界又近了一步……想要表達多樣的主題，當然需要不同的表達方式。這並不一定代表著進化或進步。只是說，人們要追隨自己的內心表達，並尊重它們的表達方式。」——畢加索

從15歲一直畫到90歲的畢加索，經歷了畫風的轉變，堪稱逆轉時間軸的存在，而無法忽略的永遠是其對立體繪畫的把控。

於是，專屬畢加索的「人面」就這樣成為其在現代的logo。這裡真的很想說：帶著這樣logo的信用卡，給我來一打。

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彼埃·蒙德里安

彼埃·蒙德里安是荷蘭畫家，以幾何圖形為繪畫的基本元素。蒙德里安是幾何抽象畫派的先驅，與德士堡等組織「風格派」，提倡自己的藝術「新造型主義」。認為藝術應根本脫離自然的外在形式，以表現抽象精神為目的，追求人與神統一的絕對境界，亦即今日我們熟知的「純粹抽象」。蒙德里安早年畫過寫實的人物和風景，後來逐漸把樹木的形態簡化成水平與垂直線的純粹抽象構成，從內省的深刻觀感與洞察里，創造普遍的現象秩序與均衡之美。他崇拜直線美，主張透過直角可以靜觀萬物內部的安寧。

而這樣看似無聊的幾何拼接卻在平面設計中迸發出無限的美感。

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傑克遜·波洛克

1950年，偉大的美國抽象派畫家傑克遜·波洛克（Jackson Pollock）登上了他事業成就的巔峰。他對色彩顏料的運用極為特別，開創了獨具特色的「滴畫法「、「潑灑法」、「輕彈法」，這使得他的作品有一種莊嚴宏偉的美，比如《淡紫色的霧》、《一個：在1950年11月31日》和《秋韻》。波洛克的繪畫，就像他同時期的音樂家查理·帕克(Charlie Parker)一樣，即興演奏著的圓舞曲，最終總是以華美的旋律迎接慘淡的終止符。

這種藝術的創作方式狂放不羈，卻有著與之不相符的優雅魅力。把帆布放在地上，朝它潑灑顏料，這看起來就像是無政府的混亂狀態。但是波洛克卻堅持認為，他的藝術「絕不混亂」！。那就讓我們「簡化」波洛克的作品，記錄顏料滴在紙面的瞬間。

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安迪·沃霍爾

安迪·沃霍爾也許是所有藝術家中，最容易設計現代logo的一位，他被譽為20世紀藝術界最有名的人物之一，是波普藝術的倡導者和領袖，也是對波普藝術影響最大的藝術家。他大膽嘗試凸版印刷、橡皮或木料拓印、金箔技術、照片投影等各種複製技法。

沃霍爾除了是波普藝術的領袖人物，他還是電影製片人、作家、搖滾樂作曲者、出版商，是紐約社交界、藝術界大紅大紫的明星式藝術家。將他鮮艷的波普配色和番茄湯罐頭搭配在一起，放在現代，毫無違和感。

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