滿臉慾望的美艷范冰冰居然變得清純又可愛？真是第一次見

大家好哇，夏天已經過半，喧鬧和嘈雜之外還有另一份清涼與愜意，之前講過夏天的雨季美學，雨季美學更偏向一種抽象美感，今天咱們來說點更直觀的，關於夏天的攝影藝術。

如何看、如何理解、如何運用，都是提高美商的重要動作，攝影是直接的藝術，也是無需多言的藝術。好了，讓我們通過這些攝影師的鏡頭，來一瞥夏天的美妙模樣。

在內容開始之前，我們需要先科普一下畫幅的概念，對於畫面語言影響比較大的除了光影節奏色調，畫幅也是一個很重要的因素。在膠片時代，畫幅往往指的是相機在膠捲上成像範圍的面積；而在數碼時代，負責成像的並非膠捲，而是相機內部的圖像感測器，因此如今我們常說的畫幅通常是指感測器面積的大小。

傳統的照相機膠捲尺寸為35mm，底片對角線為135mm，所以叫135相機。而120相機使用的是比135膠捲更大的120膠捲，面積6乘6cm，屬於中畫幅。而大畫幅相機的底片尺寸更大，能達到4乘5英寸的大小，透視畸變、畫質、景深，都是135和120相機沒法相比的。

拍建築多用大畫幅相機，可以最大程度地矯正掉畸變，一些時尚攝影或是人像拍攝也會用到大畫幅。而大家常見的單反多是屬於135相機，也稱全畫幅相機。如果說135相機給人的感覺是匆匆一瞥，120相機就是一次對視，而大畫幅給人的感覺就像拍攝是一場儀式一般。

川內倫子：明亮的痛感

第一位攝影師，叔最先想到的就是川內倫子，圈內有「攝神阿姨」之稱，絕對是最早被國內攝影師模仿那一批攝影師之一。

她慣用的是一台6乘6的祿來相機，屬於中畫幅相機。正方形構圖給人的感覺是穩定和均衡，整體氣質是比較安靜的。藍色是她的標誌性色彩，少女的細密睫毛，夏蟬的空殼，裂開口的西瓜，低對比的影像中總是空氣感十足。

無病呻吟和好作品之間，最大的區別就是有沒有實質性的創作思想。川內倫子的作品乍看很清新，細看很壓抑，柔和安逸的色調，卻似乎掩藏著無聲的漩渦，泛濫的情緒在暗涌中悄然下沉，昭示著故事的走向。

她的鏡頭除了捕捉溫柔和靜謐，也不會特意去規避不適。給人的感覺是她在用好奇的目光打量這個世界，不帶激進的評判，也不帶泛濫的抒情。

上田義彥：習習涼風

上田義彥被大眾所熟知應該是從他為無印良品拍攝的廣告開始。上田義彥展現的是一幅幅在地鐵上、火車上，人們或疲憊或悠閑地倚靠在座位上的樣子，每個人都是最真實而自然的狀態。

他慣用的也是中畫幅或大畫幅相機，青綠色調，大光圈帶來小景深聚焦在畫面主體，充滿空氣感和稀釋的氣場。平靜的湖面，淡藍色的月光，夏日氣息。

和川內倫子不同，上田義彥的視角不是凝視或對視，而是一種第三人稱的描述視角。

上田義彥的照片里，攝影師彷彿是不存在的，他不去凝視人物，所有鏡頭中的人都鬆弛地活在自己的生活里，旁若無人，自顧自地抒發著自己的情緒，攝影師本人的在場感被弱化到了極致。

正因為如此，他的照片自然又靜謐，連美艷而充滿衝擊性的范冰冰也被他拍出了清純和可愛感。

有時他也喜歡把人物和主體置於幽暗的環境之中，黑色的環境中凝視著靜物散發出的層層光澤，令人不覺入迷。

就像谷崎潤一郎在《陰翳禮讚》中說的那樣：「美，不存在於物體之中，而存在於物與物產生的陰翳的波紋和明暗之中。」

Alec soth：眠於密西西比河沿岸

Alec soth是當代最炙手可熱的攝影師之一，和大眾認知里的明星攝影師不同，Alec soth極其靦腆，他的作品也帶著欲語還休的氣質。

他一生從未離開過明尼蘇達，最早成名的作品就是用一個大畫幅相機去拍攝密西西比河延岸。

夏日漫遊，那些物品與房間，經濟衰退之後的殘破之軀，顯得溫柔而平靜。像是現實和幻想之間的童話隱喻，一個舒緩的棲息地，是懷著憂傷的密西西比。

在拍攝中他塑造著自己的河流，整部影集就像是密西西比河邊的漫遊，這也是Alec soth最可貴之處，誠實和不加掩飾。在所有的攝影師都迫不及待地顯得自己有多麼厲害，多麼高級的時候，他用一種最簡單也最真誠的方式告訴大家，攝影是私人的、關於愛和依戀的。

Sally Mann：南方以南

Sally Mann1951年出生於美國弗吉尼亞州西南部，故鄉對她性格形成以及攝影的風格都產生很大的影響。在她的許多照片不難發現地域性的特點——悠遠浪漫的環境，南部夏日的空氣、厚重的泥土、茂盛的草木。

她的作品不是紀實攝影，而是搭建在舞台之上的虛構和表演，一場發生在夏日的夢，Sally Mann選用老式大畫幅相機拍攝，為塑造了一種如夢似畫的朦朧感，黃銅鏡頭加持了這種緩慢、凝脂的感覺，光線在底片上蝕刻，帶來雕塑般的銀鹽質感。

那些柔焦，充滿暗角和劃痕的畫面的確離人們很遙遠，它們似乎是另一個時空的影像。

影像的力量是時間，生命的載體也是時間，她將人們對於時空的感受變幻成一股神奇的力量，定格於快門之後。

好啦，今天關於攝影的美學知識就講到這裡啦。

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